Keepin’ It Real|The Shed

本系列發祥自作者在倫敦就讀碩士期間,透過訪談、田野調查等方法試圖了解當地 Swing Dance 發展現況的過程中,針對當今 Swing Dance 文化的 Authenticity (本真性)所產生之疑問與想法,希望藉機發表相關文章與各位讀者討論及分享。


本文將藉由筆者近期參與 Angela Andrew 所主持之 The Shed 之經歷,與各位分享這位 Swing 界大前輩、老師們的老師,是如何訓練舞者的。

The Shed

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(圖:傳奇踢踏舞者 Charles “Honi” Coles)

The Shed,是每月一次的小班制訓練團,藉由常態的團體練習,琢磨 Lindy Hop 和 American Vernacular Jazz 的基本功。 The Shed 的名稱典故,根據 Angela 發布的網頁資訊,是來自一位傳奇舞者 Charles “Honi” Coles ,經由密集的反覆練習,終於成為「fastest feet in the world」。

爾後,「Woodshedding」這個名詞,也廣泛在音樂家之間被使用,它可以是一群樂手聚集在一起磨練,也可以是個人的閉關練習。

“Shed and sharpen your tools through technique-focused exercises, prayer and a renewed commitment to the art and excellence of your craft and ability as a musician.”

Angela 也在一開始就開誠布公地說,自己將會非常嚴格地對待所有人,並且她對大家都會維持尊重,但也保證絕對不會對大家很 nice。

先說結論:這三個小時、加上老師總共只有 8 個人的練習團,是我學舞以來最緊繃、壓力最大的學習體驗,也一度開始懷疑人生,甚至覺得自己根本就不會跳舞。英國同學也在過程中分享心得,說這次無疑是一個非常 humbling (使人謙卑)的體驗。

(突然覺得這系列可以下個副標:在英國被老師罵爆的日子(笑))

Finding Your Center

前一段稍微介紹了 The Shed 的形式,那麼它核心概念是什麼呢?本系列第一篇關於Airstep 的文章 就有強調,Lindy Hop 和爵士舞蹈,強調的是節奏。Charles “Honi” Coles 在一次訪問中就點出了這根本的差異(約 6:00 開始):

 

“[…] Have control of your feet, have control of your arms, etc. But let your body just be free and easy. Because, tap (dance) … is a free, natural, easy way of dancing. Contrary to ballet. Ballet requires certain positions, certain ways to hold your hand, your fingers, etc. That doesn’t apply to tap at all. ”

Charles 提到了最關鍵的一點:踢踏舞是一種自由、自然的舞蹈。跟踢踏舞同源的爵士舞和 Lindy Hop 也符合這個美學觀。(延伸閱讀:Swing Dance 是一種街舞?!)不同於芭蕾舞和國標舞等源自歐洲體系那樣,強調標準化的線條及身體控制的精準度,在爵士舞的世界中,每個人都能用自己獨特的身軀,跳著形狀截然不同的舞步,卻能在同樣的節奏中和諧共鳴。Charles 也在訪問的最後說道,節奏無處不在,無論是我們走路、呼吸,都有節奏。

所以,為了能回歸到這個舞蹈的本源——身體的節奏,我們首先進行的暖身運動,是一個 45 分鐘左右,結合核心訓練、間歇有氧及肢體開發的練習。藉由奔跑、跳躍,誇張地擺動肢體等活動,讓我們能在自然放鬆的狀態下,去感受並找到自己的 Center,亦即啟動一切動作的身體中心。

聽起來很容易,做起來卻非常難——這才發現,包括我自己在內,原來多數人在學舞的時候,都有一個心態,想要先跳得「像」再說。於是,我們一心只想著要讓自己手腳擺動的方式和形狀看起來跟示範動作的老師一樣,反而沒有在一開始就將意識聚焦在動作轉換過程的時間感(節奏)上。

Rhythm & Calibration

結束熱身,我們便展開將近一小時的「節拍器」練習:將身體為節拍器,對著音樂的節奏,兩隻腳輪流「落(drop)」在拍點上。以一小節為單位,我們從 half time 開始(二分音符),接著是 single time(四分音符)、double time(八分音符)一直到最快的十六分音符,過程中除了留意落地的時間點是否正確,更重要的是這個節奏是否由 Center 啟動——若只是單純用兩隻腳去採拍子,那麼便是忽略了身體自然整合的穩定狀態,而用控制四肢的方法使喚自己的雙腳踏在拍子上。

練習的一開始,我們搭配的是 120 bpm 左右的 hip hop 音樂,隨著切換成 160 bpm 以上的 Swing Jazz,個人身體內部的中心節奏開始變得不穩定、跟不上音樂等問題逐漸浮現,有時候會為了讓腳踏在拍點上反而顯得很倉促、僵硬等等,練習的時候可說是全部的人都被 Angela 糾正/訓斥了一輪(笑)我個人的問題在於,自己會因為專注在音樂的節奏上而全身緊繃,甚至像之前舞團練習時在全體面前踩 triple step 一樣一度忘記呼吸。

Angela 舉了爵士鼓手為例。她說,爵士鼓手最厲害的是,即便是打著那麼複雜的節奏,他還能維持在同樣的拍子(tempo)上。套一句當天同學說的話,每一個舞者都應該和樂手一樣,擁有讓身體中心能維持穩定的節拍作為校準(Calibration)的能力。如此一來,在同樣的拍子上,每個人用不同的方式一起表現著一樣的節奏。這就像爵士樂手們可以在同樣的和弦進行上演奏不一樣的旋律,每個人都能充分表現自己,彼此的聲音卻又能融為一體。

Dance Like Yourself!

那麼要如何知道每個人都在同樣的節奏上呢?最後的一個團體練習,就是大家一起跳一段 4 個 8 的 routine(下方影片 0:23 至 0:43 左右)

 

而筆者本人在此練習的開頭就被罵了。原因是我又以平時習慣的方式去學舞步——也就是先擷取身體的形狀,而非節奏。

Anybody can do these shapes.

(任何人都可以模仿這些身體形狀)

Stop doing what other people tell you to do, dance like yourself!

(不要再讓別人告訴你怎麼做,做你自己!)

接下來,我們更花了不少時間在確定彼此表現的節奏是同步的,而我們所用的方式非常簡單,就是「用耳朵聽」,直到所有人的腳步和拍手的聲音都一致為止。過程中,有一位同學因發現另一位同學在 full break 的最後採用雙腳開合跳,而非兩腳輪流踏步,便向 Angela 提出質疑。

「⋯⋯我不確定這(動作)有沒有需要統一?」

「妳跳一次。(同學A跳)好,你跳一次。(同學B跳)。我『聽』起來是一樣的呀。」既然節奏一樣,何必拘泥他是用單腳還是雙腳踏的?

是呀!同樣的節奏可以有不一樣的詮釋,就是 Jazz 最迷人的地方。

結語

第一次參與 The Shed,整體而言是個非常具有啟發性的體驗。除了接觸到截然不同的教學方式,也透過扎實的練習,直視自己的不足。但就像文章一開始強調的,這類型的基本功是須要長時間投注心力去磨練的,絕非一蹴可及。奢望只要自己每次都有出現在課堂上就能進步,是不可能的。因為真正的挑戰和磨練,是在課後的自主訓練才開始。

再來就是,比起練習團或工作坊,The Shed 對我來說比較像是定期的健康檢查,讓老師、前輩、其他舞者幫自己指出盲點,便能有效率地修正缺點、確保自己走在正道上。我認為這樣的方法對於有心想要提升自己的中高階舞者來說非常有效,但以這次的經驗來說,為了講求效率、有時過於直接的語言,可能會讓部分成員玻璃心碎一地。然而這也證實,比起歡樂的課堂,我更偏好嚴格的訓練。因此,之後絕對會再回去 The Shed,看看下次老師要怎麼罵我(笑)

以上就是今天的分享!感謝收看,我們下次見(手比愛心)

 

Keepin’ It Real|什麼是標準的 Swing Out?

本系列發祥自作者在倫敦就讀碩士期間,透過訪談、田野調查等方法試圖了解當地 Swing Dance 發展現況的過程中,針對當今 Swing Dance 文化的 Authenticity (本真性)所產生之疑問與想法,希望藉機發表相關文章與各位讀者討論及分享。


最近因為加入倫敦當地的舞團 Brat Pack,有幸接受 Moe SakanMichael Jagger 兩位國際名師親炙,獲益良多。故想藉由近期兩位老師針對團員進行的訓練,探討現今檢視 Swing Out 的「標準」從何而來,也跟各位分享學習的心得,也提供一些練舞的小撇步給大家參考。

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Swing Out Clinic:你的 Swing Out 從哪來?

雖然以 performance troupe 為定位,Brat Pack 平時團練幾乎都在準備表演的舞碼,兩位老師卻對團員們的基本功要求甚高,自從這個月開始,固定在每次團練的前半小時進行 Lindy Hop 的靈魂舞步—— Swing Out 進行「診斷」。

第一次練習的時候,Michael 就指出,雖然團員大多數人都已經習舞 4~5 年,對於 Swing Out 這個「基本」動作,卻有不一樣的學習經歷,因此跳出來的 Swing Out 可能有很大的不同。

「我們接下來要告訴你們的,是我們認為『標準的』Swing Out。這不代表你們學的 Swing Out 是錯的,反而是給你們機會好好思考,自己現在是怎麼跳的,誰教你這樣做的?」

我大致回想了一下,過去在台灣學習 Swing Out 的經驗,一開始並不是在課堂上,而是剛學舞一個月左右,就在一些前輩引導下嘗試了 Swing Out。然而,當時連 connection 都不穩的我,壓跟不知道 Swing Out 的「感覺」是什麼。甚至我第一次在課堂上跳 Swing Out,是在學舞第三個月、剛學完 Lindy Circle 的情況下,就去上了韓國舞者 JeongWoo & Crystal 的 Swing Out Variation 課程。由於模仿 JeongWoo & Crystal 的風格,我一開始學習 Swing Out 的時候,非常努力地想要加入很多的 Stretch 和 Counter Balance,也因此習慣做不是 Forward 的 Swing Out,日後也透過練習各種 Variation,學習去跟隨不同 Leading 做出變化。

但一直到來倫敦以前,從來沒有人告訴過我,什麼是「標準的」 Swing Out。

THE way to do it.

Michael 和 Moe 說,在他們剛開始學舞的 1990 年代,曾經有所謂「跳 Swing Out 的『一種』辦法 (THE way to do the Swing Out)」。也是在那個時候,美國和歐洲社群有所謂的「Style 大戰」,大家似乎都非常在意、也很積極地想要區分每個人各自跳的是什麼 style。以最常被拿來比較的 Savoy style 和 LA style 為例,兩者在 Swing Out 詮釋上以及 Leading&Following 邏輯上最大的差異,就是在第 4 拍的時候有沒有 Counter Balance。

當時之所以會有這樣的論戰,有其時空背景—— 1980 年代開始的 Lindy Revival,是由主要來自瑞典、英國、加州、紐約等地區的舞者,從影視公司釋出的好萊塢老電影片段「重新發現」了 Lindy Hop,決定要將這消失已久的舞蹈重新帶回這個世界上。然而,因為各自在不同時間點、向不同的 Old Timer 學習,各個社群便產生了不同的 Style。因此,嚴格來說,現在我們向不同派別的國際老師學到的「Savoy Style」以及「LA Style」,只能說是綜合不同早期舞者個人風格所產生的「復刻版」。Michael 也在私下和團員聊天的時候補充道,像是現在大家說的 LA Style 或 Hollywood Style 這個名詞,也是由 Sylvia Sykes 等第二代舞者 [1] 創造的。

回到本站第一篇文章強調的重點,「Lindy Hop 是一種街舞」,Swing Dance 本來就不像國標舞那樣,有一套系統性的標準去鑑定舞者的動作是否合格,每個人都有自由用自己的舞步和自己的風格去詮釋音樂和節奏。

既然有各種跳 Swing Out 的辦法,那不是學越多越好嗎?為什麼要緊抓著一種標準不放呢?

Which style? 區辨不同風格的重要性

舉例來說,前幾篇文章有稍微提到,我去年底有在 LSE Swing Dance Society 向 Angela Andrew 學習。Angela 算是 80 年代 Lindy Revival 時期的初代舞者,當初是向 Norma Miller 學舞的,所以和英國 Lindy Hop 的教父級舞者 Ryan Francois [2] 有著類似的看法,認為他們有義務傳授以 Frankie Manning 和 Al Minns 等為代表的「正宗」Lindy Hop。而 Michael Jagger 身為 Ryan Francois 的學生,學習到的 Swing Out 裡頭並沒有像 LA Style 那樣強調 counter balance,而是依靠 connection 和節奏去做變化。

Michael 私下也分享說,他之前嘗試過跟 Chanzie & Stephen 等 LA 舞者討教,「但我現在還是不會跳 LA 版本的 Swing Out。因為跟我會東西的太不一樣了。」所以他也可以想像,在剛開始學習 Lindy Hop 的時候,如果短時間內連續遇到不同背景的老師,很可能會因為吸收太多不同派別的資訊而精神錯亂。特別是現在的 Event 很流行請一大票老師去教舞,學生也很好學,一口氣就上好幾堂課。但在基礎不夠穩定、搞不清楚不同風格派別的情況下,學生可能在前一堂課被老師要求這麼做,下一堂課卻被要求反其道而行,結果就是學到崩潰、什麼都跳不好。

「要有效進步的話,必須鎖定一種風格專精才行。」先精通其中一種,在接觸到不同風格的舞步時,才有「底子」去融會貫通,否則只是囫圇吞棗。這也是為什麼我非常認同,老師應該要跟學生提起影響他們最多的舞者,並幫助學生區別不同風格。一方面是為了保存、傳承這個舞蹈文化的重要遺產,一方面也是讓學生有意識地去建立自己的底子和學習基礎,之後才不會聽到任何建議就想採納,最後啥都學不像,反而感到相當挫敗和無助。 Michael 也建議,基本的舞步都學會之後,最好是能找到自己喜歡的一、兩位老師,就跟著他們一路學上去。特別是喜歡參加 event和 workshop 的學生,在選課的時候也要注意老師的背景和風格,才不會學得一蹋糊塗。

筆者認為,這種區辨能力對於出身亞洲的舞者來說更加重要:因為我們的社群相對年輕,所以有時候會聽到來自歐美國際老師評論說,希望我們這些亞洲國家(包括韓國)要建立「自己的風格」,不要只是模仿別人。以前我都有聽沒有懂,以為「自己的風格」應該是很個人的東西,怎麼會是一個社群可以共同擁有的特色呢?但這一切如果從教學的角度來看,就完全說得通了:

我們在不斷邀請國際老師來開辦 Workshop 授課、採納國外經驗的同時,有沒有在持續審視、調整自己社群的教學系統,讓學生不是只會記動作,而是真正學會跳舞這件事情,並且在習得基礎之後,有能力自己去建立自己的風格?抑或我們在課程設計和師資選擇等細節上,有沒有做到讓學生能清楚吸收每堂課的重點,並且不會因不同老師的風格差異造成混淆?這些細節都很重要,卻相當不容易做到,並且是非常需要配合不同地方風土民情(?)去精心設計的。

當然,去決定什麼是學習重點、什麼不是,並不僅是老師們和社群領導者的責任,舞者們有意識地去選擇自己喜歡的風格學習,也是非常重要的推力。

 

“Rhythm is our business.” 聽聽自己的 Triple Step

講了這麼多跟 style 有關的分析,也舉了老師們的意見為例,不是想要凸顯哪一個派別才是正宗,而是想提供一個分析不同 style 的脈絡給各位參考。回過頭來,也藉機再次提醒自己 Lindy Hop 舞蹈的基礎—— Rhythm 的重要性。

無論我們跳的是哪一種 style,好的節奏感是不可或缺的。Moe 也說,很多人不知道 triple step 的重要性,其實比想像中的還要大。

「不要覺得自己跳很久了就理所當然可以把 triple step 跳好⋯⋯我知道有些老師(但我不會說是誰)在比賽評分的時候會看 triple step,甚至連上課分級的 audition,我也遇過有老師很直接地評論學生:『這人連 triple step 都跳不好,沒資格上 Advanced 的課。』」

在第一次的 Swing Out Clinic,Michael 和 Moe 聲明,對他們而言,基本 Swing Out 是「Forward Swing Out」,也就是 5&6 的時候讓 Follower 往前走。大致修正「形狀」之後,兩位老師多數的時間都不斷地盯著大家的腳步,要求大家踩出乾淨的節奏。甚至最近還相當仔細地進行一對一診斷,一次只聽一個人不斷左右踩 triple step(之間沒有 rock step),相當嚴格。他們說, Lindy Hopper 要把自己當成樂器,跳舞的時候應該要像 Tap Dancer 一樣,有辦法在音樂中精準地踩出 Swing 的節奏 [2]。而 triple step 就是 Lindy Hop 裡頭最基本的 swing 節奏單位,所以透過連續踩 triple step 的練習,可以有效提升節奏感和身體的穩定性,而且不需要舞伴,相當方便。

最後將 Michael 和 Moe 提出的練習要訣整理成幾個重點跟各位分享:

  • Bounce while staying grounded:這意味著我們必須利用地板的反作用力來讓自己的身體維持輕盈的彈跳感。很多人會以為「Grounded」就是要將重心往下沉、甚至死命用力踏地板,但那麼做的話,絕對踩不出乾淨清脆的節奏。Michael 以英文字母「M」和「W」形容兩種狀態:假設將中心至於一條水平線上,「M」所代表的是踏步的同時把重心完全拖向地板,「W」則是以前腳掌輕盈地將自己的身體彈起來。
  • Look at yourself in the mirror:要確定自己的 bounce 是否太大或太小,可以透過檢視鏡子中身體的狀態。想像自己的能量重心在核心和骨盆,在放鬆的狀態連續做 triple step,若自己的上半身完全僵直不動,那就是能量被鎖住了,會限制四肢的動作;反之,若 triple step 的時候連頭都跟著震盪,就是沒有將能量凝聚在身體中心,很容易一不小心就沒在拍子上。
  • Listen to your steps:我自己以往練習 Triple Step 的時候都會搭配音樂,但 Michael 和 Moe 建議,信任自己的耳朵,在無聲的狀態下,去「聽」自己的腳步是否平均。
  • Use the Metronome:向打擊樂手會用節拍器練習節奏精準度,節拍器也是舞者的好朋友。除了在無聲狀態下聽自己腳步聲是否均勻乾淨,節奏的穩定則可以透過搭配節拍器練習達成。Michael 建議每天練五分鐘就可以了。

練習基本 triple step 的目的,是為了最終可以找到最穩定的狀態去做出想要的節奏和肢體變化。如此一來,就算要嘗試比較 smooth 或是比較浮誇一點的風格和 variation,還是能有很好的節奏感和音樂性。

以上就是今天的分享!感謝收看,我們下次見(手比愛心)

Notes

  1. Sylvia Sykes 是向「Swing Era」時期的加州代表舞者 Dean Collins 學習 Swing Dance
  2. Ryan Francois 曾在 TedTalk 上介紹不同風格的 Swing Out,請詳影片
  3. 關於 Swing 的節奏可以參考 Kiss & Tell 的這篇文章和進階的節奏練習教學。

Keepin’ it Real|The Boogie.

本系列發祥自作者在倫敦就讀碩士期間,透過訪談、田野調查等方法試圖了解當地 Swing Dance 發展現況的過程中,針對當今 Swing Dance 文化的 Authenticity (本真性)所產生之疑問與想法,希望藉機發表相關文章與各位讀者討論及分享。


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(圖:Frankie Manning doing the Shim Sham。來源:Google。)

今天要來說一個關於課堂上被老師洗臉的小故事(笑)

來倫敦之後,非常想要在這裡跟當地的舞者學習,特別是平時比較少機會接觸到的、常駐在倫敦的老師們。在發現 LSE Swing Dance Society 的指導老師是 Angela Andrew 之後,就讀 SOAS 的我便厚著臉皮加入他們的 Swing 社課,希望能從 Angela 和她的搭擋 Tom 身上學到舞技以外的東西,好比說風格以及教學方式(之後有機會可以開倫敦課堂觀察筆記的系列文!不知道大家有沒有興趣呢?)

Angela 說,她和上回提到的 Jreena Green 都算是復興以來的第二代舞者(Second Generation),因他們都曾在 1980、1990 年代左右直接向 Norma Miller 等始祖級的 Lindy Hopper 學習。Angela 平時除了經營自己的社群與課程之外,也經常到歐洲各地授課 。

 

「妳的 Boogie Forward 太 Fancy 了。」

在某一次課堂上, Angela 教大家幾個實用的 Solo Jazz 舞步,包括出現在 Shim Sham Routine 中、我個人也經常使用的 Boogie Forward。

(舞步可參考這支影片 [1],動作示範和解說都非常清楚!)

當 Angela 示範完動作,開始放音樂讓大家練習的時候,我很自然地做了一個不久前在 Sharon Davis 的課上學到的 variation——省略了向前踢腳的動作,直接以腳姆指內側向前點地,再用臀部帶動骨盆向外畫圈。正當大伙兒練得起勁的時候,Angela 突然開口了。

「You, 」Angela 瞪大眼睛盯著我,當著所有人的面點名道,「I don’t want to see any of that ‘vanilla’ now, just boogie forward.(我現在不要看到這麼「奶油」的東西,只要 boogie forward 就好。)」

看我一臉不明所以,Angela 馬上停下音樂,直接打斷大家練習。頓時全場鴉雀無聲,我則是尷尬得不知所措——難道我跳的 Boogie Forward 是錯的嗎?

「我這並不是說妳跳的是錯的。跳舞沒有對錯,只有不同的方式。但我們現在要練習的是最基本的 Boogie Forward,」Angela 繼續正色道,「妳大概是跟一些老師學到比較 fancy 的 variation,才會這樣跳。」

 

What is Boogie?

「所以,我們現在就來看看,什麼叫做 Boogie。」下一秒 Angela 又展開笑顏,用她一貫熱情又有喜感的語調跟我們解說 Boogie Forward 這個動作的由來。只見她把重心放低,雙手高舉,一邊不斷用臀部繞圈。

「這就是 Boogie,它本身是一種舞 (她在這裡用了 dance 指稱,而不是 step),基本上就是這樣用臀部去發動整個身體的動態。」

聽到這裡,我大概明白 Angela 要說的是什麼了。

「你們真的要用臀部及核心去啟動這個動作。」這正是希望 Angela 和 Jreena 兩人都強調的觀念:運用整個身體的節奏產生 Bounce 去帶動肢體的舞動。像我那樣站得直挺挺地,看起來(事實上也是)更傾向於利用身體控制(Body Control)的技巧分段使用肢體,而不是以身體中心的能量發動這個動作。

稍微搜尋了關於 Boogie 的資訊(好吧,我承認我花了至少兩小時在瀏覽相關頁面。)發覺線上的資料並沒有很完整,比較多都是關於 Boogie Woogie 這個雙人舞的解說。而 Boogie 在 Merriam-Webster 上的定義是 “to move quickly”,至於 Boogie 詞義的演變,據該網站的說法,原先是 1920 年代 boogie-woogie 的簡稱,到 1940 年代則作為「跳舞」的動詞(as a verb to refer to the act of dancing),接著被當作「沈浸、陶醉,派對」的動詞(to revel, party),才變成現在的  to move quickly, to get going [2]。

這裡我們可以看到一個問題浮現在眼前,也是接下來我想要探討的議題之一:

既然 Swing Dance 當時是在美國的非裔社群裡自然發展出來的 Vernacular Dance,舞步並非由一人所創造和定義,而是集結社群中許多來自不同文化背景的個體,不斷創造、融合出來的。正因為如此,可以合理推斷很多舞步的由來及定義都不是那麼容易就劃分清楚的。既然如此,距離 Swing Dance 誕生近 100 年後的今日,一個 Boogie Forward 該怎麼做才「正宗」,到底誰說的算?

 

Different Styles in Jazz: It’s Not About Doing It RIGHT.

礙於篇幅關係,在此先簡單表明我的立場:跟爵士音樂一樣,我認為在擁有自己的特色和創新的同時,不能遺忘根源。Angela 和 Jreena 等舞者大前輩們,都懷有保存這個文化的本源的使命感,也對於現今 Swing Dance 社群快速擴張、導致很多時候難以將所知傾囊相授感到無奈。以我這次被糾正的經歷來看,就是因為我在不理解 Boogie 的由來,將這個舞步從它的根源——Rhythm (以及 Energy)給抽離出來了,導致我跳起來太「White」[3]。

不過回過頭來,我想補充的是 Angela 的背景:師承 Norma Miller 等 Savoy Ballroom 舞者們的 Angela,早在第一堂社課就表明她教的是「Savoy style」。 Savoy style 經常被拿來和 Hollywood style 比較,前者的代表舞者包括 Frankie Manning 和 Whitey’s Lindy Hoppers,後者則以出身 South California (SoCal)、曾在紐約待過一陣子的 Dean Collins 為代表。關於各地的 style,英國舞者 Ryan Francois 曾在 TedTalk 的短講中稍微解說過(約 6:50 起):

 

 

根據我近期閱讀到最詳盡的一篇、由舞者 Bobby White 在部落格 Swungover* 寫的文章 [4],可以發現許多人會將 Savoy style 認定為 bounce 比較明顯、肢體較為奔放、能量豐沛的風格,而 Hollywood style 的舞者們則相對較常使用 slides 等看起來很「smooth」的舞步,並且上半身姿勢較直挺。然而,Bobby White 也在文中也提出包括紐約和南加州的音樂差異、舞者個人 Styling 等因素,都造成後人的歸納或認知錯誤。這也是為什麼「Savoy style vs Hollywood style」的論戰持續了這麼久,至今也還是難以達成一個共識,去明確定義到底什麼是 Savoy style,什麼又是 Hollywood style。

前述的影片裡,Ryan Francois 也提到,在復興 Swing Dance 的初期,來自不同地區舞者都分別各自向不同 Old Timers 學習,帶回自己的國家和城市。這也就不難理解為何今日,不同地區的舞者,甚至不同老師教出來的舞者會有不一樣的跳舞習慣,也才造就這世代百花齊放的 Swing Dance 生態。在重申「莫忘本源」、學習區分風格的同時,我也想引用當代爵士樂大師 Wynton Marsalis 在著作《什麼是爵士樂?》當中的文字,作為本文的總結:

爵士樂教導我們同理,教我們跟別人共同創造並醞釀某種感受,同時也鼓勵我們找尋自己的獨特風格。這種音樂能夠兼容無數種演奏方式,供不同的樂手尋找並表達自我,沒有任何規則是適用於每一個人的。[5]

正因為在 Jazz 裡沒有對錯,比起一昧模仿其他舞者的舞步和 variation,從根源尋找靈感、創造出個人的 style 才是最可貴的吧!

 


Reference & Notes

  1. Angela Hong 曾拍攝了一系列的 Vintage Jazz 的舞步教學影片,可以至她的 YouTube 頻道 playlist 觀賞。
  2. “Boogie – ‘Boogie’, ‘Shimmy’, ‘Fandango’, and 5 More Words from Dance.” Merriam-Webster, Merriam-Webster, http://www.merriam-webster.com/words-at-play/8-words-from-dance/boogie.
  3. 相對於 Black (黑人)跳舞,這裡指的是我跳得太「像白人」,也就是跳得太過工整/含蓄/經過修飾,而失去原本的味道。
  4. White, Bobby. “Savoy Style vs. Hollywood Style: A Fight to the Death (Hopefully?).” Swungover*, 17 Feb. 2014, swungover.wordpress.com/2011/06/15/savoy-style-vs-hollywood-style-a-fight-to-the-death-hopefully/.
  5. Marsalis, Wynton, et al. 這就是爵士樂:溫頓・馬沙利斯的音樂與人生自述(Moving To Higher Ground: How Jazz Can Change Your Life). 大家出版, 2016.

 

Keepin’ It Real|Airsteps or Aerials?

本系列發祥自作者在倫敦就讀碩士期間,透過訪談、田野調查等方法試圖了解當地 Swing Dance 發展現況的過程中,針對當今 Swing Dance 文化的 Authenticity (本真性)所產生之疑問與想法,希望藉機發表相關文章與各位讀者討論及分享。


Meeting Jreena Green

幾天前,在教授牽線之下,我來到位於倫敦南岸的 Theatre Peckham ,訪問職業爵士舞蹈家 Jreena Green 以及其舞團成員。

Jreena 自年輕時便接受包括芭蕾、踢踏、現代舞等專業舞蹈訓練,並曾為 GuinnessLevi’s 等品牌之商業廣告編排舞碼 [1],更在 2012 年受聘出任倫敦奧運開幕式的 Creative Consultant and Assistant Dance Captain。熱愛爵士舞蹈的 Jreena 目前將心力投注在黑人舞蹈文化的保存與傳承上,以此為目標同步進行著各項專案計畫。

由於我那天是提早到現場觀摩,一踏入排練室,Jreena 便親切地招呼我、簡單將我介紹給其他舞者之後,就馬上繼續排練的行程。那天在現場的包括 Jreena 在內的幾名舞者,正在排練一段 Lindy Hop 的舞碼。見到一連串充滿張力的拋接動作,我很直覺地驚呼:「Wow, aerials !」沒想到 Jreena 一聽,便正色道:

「You guys call it aerial, right?

(你們都說這是 aerials 對不對?)

No. It’s not ‘aerial’, it’s ‘airstep’.

(不。這不是 aerial,是 airstep。)」

我被這突如其來的指正給震懾到了,卻不能明白為何今日大家都通稱 airstep 為 aerial,而 Jreena 又為何如此堅持要用前者指稱這些空拋動作?

(Frankie Manning doing ‘Over the Back’.)

我繼續盯著 Jreena 和團員,一面試圖翻找關於 airstep 的記憶——除了之前讀過部分關於 Lindy Hop 的英文文章 [2] 有使用「airstep」這個詞彙以外,實在找不到其他相關的線索幫助我推理,為何今日大家會選擇稱之為 aerial 而非 airstep。我眉頭深鎖地看著 Jreena 和舞者們反覆跳了同樣的 routine 兩、三次,卻想破頭都想不出個所以然。

就在我已然放棄思考、開始放空之際,Jreena 突然將音樂停下。

「你知道為什麼剛剛我落地會這樣子嗎?因為你沒有告訴我——你是 Leader,你必須告訴我要幹麻。你要我往哪個方向?Tell me! 你要我在哪裡落地? Tell me! 」

It’s all about the rhythm.

Jreena 對著她的 partner 說道:

「為什麼我們剛剛在做這個 (airstep) 的時候落地時間沒有在節奏上?因為你把我丟到空中之後自己就沒有 bounce 了—— 沒有 bounce 的話,身體就沒有節奏,我們就沒辦法同步。」

Jreena 轉向我,繼續道:

「現在你知道為什麼我會說這是 air step 了吧?因為在空中我們還是在製造節奏,而不是輕飄飄地凌空而已。節奏是怎麼來的?身體的能量(energy)。也就是我們的 bounce 跟 step ——這一切都跟節奏有關。」

It’s all about the rhythm.

Jreena 這番話有如當頭棒喝,令我茅塞頓開——是啊!正因為有節奏作為基礎,leader 才能用 bounce 和各種 leading 技巧跟 follower 溝通,而雙方也才能在各自即興、發揮創造力的同時,能夠讓彼此和音樂之間的能量繼續流動。

排練結束後,Jreena 又再度跟我強調,我們這一代在傳授 Lindy Hop 時,術語(terminology)的重要性。

「雖然你說這些空拋動作叫 aerial 並沒有錯,因為它確實跟其他舞種的某些特技動作一樣,過程中一方或雙方會短暫處於凌空的狀態。但是,它在被發明之際被稱作 airstep,不是沒有原因的。」

Why Keepin’ It Real?

Jreena 繼續說道,這並不只單是「一個名字」的問題。 Lindy Hop 在上個世紀前期被創造之初到復興之後,至今已經歷至少三個世代的舞者,當 Lindy Hop 在世界各地被快速傳散,難免會為了方便溝通而產生歧異的用語。(好比說,我前幾天看到 Paris Jazz Roots的網站,才知道「Jazz Roots」這個詞原來是 2002 年法國 Oliver Brotherswing 創造的,用來區分 Swing Era 和 1940 年代後的爵士舞 [3]), 但 Jreena 認為,她並不覺得讓學員知道這個舞蹈的本源有什麼困難之處,只要老師願意在課堂上簡單用一兩句話說明,有興趣的人自然會去深入瞭解。

Jreena 也揭露了她為何如此在乎保存本源這件事:她具有非裔血統。對於自身血統有強烈的認同,Jreena 對倫敦當地社群在授課時絕口不提「Lindy Hop 是由美國非裔族群所創造」這點感到相當無法理解。她說,她有次甚至假扮學員潛入 Swing Patrol 的某一堂基礎課程,為了證實她的論點。課堂上,包括老師幾乎都是白人舞者,而老師在介紹 Lindy Hop 的時候,只說「這是 1920 年代發明的舞。」講解動作時更是非常自然地說「 我們都是這樣做的。(This is how we do it.)」Jreena 當下非常無奈,她不僅感到黑人文化沒有得到應有的尊重,連她自身的存在都被忽視了。

我想,身為亞洲舞者的我們,由於並沒有直接參與到 Lindy Hop 的復興,很多時候難免因資訊來源受限,導致我們對 Lindy Hop 的認識不夠完全。不過,若是像筆者一樣幸運,有機會可以直接與上一世代的前輩們聊聊,或是有辦法可以找到更多相關資料,就算只是一個小小說文解字的過程,都能得到很多的啟發。也許有人會說,這個文化的正統跟歷史有無傳承下來,到底關我什麼事?但我認為,身在其中、深愛這個舞蹈的我們,既然都從跳舞得到如此大的喜悅,那我想我們對於能夠共同承接這個文化保存與傳播的重任,應該是感到相當榮幸的。

至於後來和 Jreena 到咖啡廳聊天,又是另一串值得回味的深度對談,有機會再與各位分享囉!

後記

由於在網路上翻了一遍,都找不到關於 airstep 與 aerial 這兩個用詞的爭議或討論,我後來又請教了在 LSE Swing Dance Society 授課、與 Jreena 同輩的 Angela Andrew。她說,她雖然不清楚到底是誰開始把 airstep 稱作 aerial,但她同意 Jreena 的註釋。

我個人認為,若是非得要從兩者之中取其一, Air steps 是較為符合脈絡的,也比 Aerials 更能夠表現出這個舞蹈的根源,以及能量啟動和交流的方式。身為一個 Lindy Hop 愛好者,我期勉自己未來若有機會再開課教授或分享舞步,也要讓大家知道 airstep 這個詞的存在和意義。

順帶一提,筆者自己也從 Angela Andrew 身上看到她對保存 Lindy Hop 和 Jazz Dance 本源的堅持。接下來預計會發表一篇文章,就是關於我在課堂上如何因為把 Boogie Forward 這個動作跳得「太奶油」,而被 Angela 喝止,導致我大驚失色的故事(笑)


Reference & Notes

  1. Green, Jreena. “Showreel." Jreena-green. Accessed November 23, 2018. http://orsonnava.wixsite.com/jreena-green/showreel.
  2. Connelly, Andy. “The Science and Magic of Lindy Hop | Andy Connelly.” The Guardian, Guardian News and Media, 5 Dec. 2013, www.theguardian.com/science/2013/dec/05/science-magic-lindy-hop.
  3. The term “Jazz Roots" has been created in 2002 by Olivier BrotherSwing to differenciate the jazz dance of the Swing era from the modern jazz dance developed from the 1940’s by choregraphors like Jack Cole, Bob Fosse or Matt Mattox who have experimented mixing differentes dances (classical, asian, tap) et lost the anchor in the floor, its rythm and the intimate relation with music to bring a more scenic resonance.