I Got Rhythm|先會 Scat,才會跳

本系列寫作的起點,原是筆者針對「音樂性(Musicality)」所產生的諸多疑問和學習筆記,希望藉機發表文章跟各位交流,一起從音樂的角度出發,探索爵士舞蹈的本源。


本文將介紹「擬聲(scat; scat singing ; scatting)」唱法和爵士樂史上的名家,以及 scat 在舞蹈即興上的應用。

進入正文以前,先讓我們透過下方這支影片,順便複習一下本系列前幾篇提到的概念。這是我個人至今仍非常喜歡的一支影片,請從開頭看到 2 分鐘左右為止。

這段演出的開頭,由舞者 Ksenia Parkhatskaya 和貝斯手共演。先前在探討 Groove 的文章中有提到,貝斯這個樂器既能夠提供穩定節奏,也可以表現音高及和弦進行。Ksenia 在找到 Groove 之後,便將自己化作樂器一般,以舞步詮釋她想疊加的節奏。如果有仔細聽的話,可以發現 Ksenia 在跳舞的時候,也同時用各種狀聲詞在「唱」節奏——你可以說她好像在表演 beat-box,但我們在爵士音樂上,將這種「以(不具特殊意義的)詞彙和聲音模擬樂手的演奏,用人聲表現旋律及節奏」的歌唱方式,稱作「擬聲吟唱(scat)」。

把人聲化為樂器的演唱技法

當傳奇小號手唱起歌兒來 「然後他就忘詞了」

相信就算是對爵士樂還不熟悉的朋友,也聽過 〈What A Wonderful World〉 這首歌,而這首作品的原唱——傳奇爵士音樂家 Louis Armstrong,據傳是首位將 scat 發揚光大的人物。傳說 Louis Armstrong 在 1926 年錄製歌曲 〈Heebie Jeebies〉 的過程中,因為突然忘記歌詞,當下便靈機一動、以意味不明的狀聲詞將該段旋律「演奏」出來,就像他即興吹奏小號那樣輕鬆寫意。

然而,scat 這個技巧並不是 Louis Armstrong 獨創的。早在他之前,就已經有其他人用歌聲模仿樂器演唱。事實上,首次以 scat 錄唱的是 Gene Greene,在 1910 年代錄製的 〈King of the Bungaloos〉 等歌曲結尾都可以聽到他以 scat 演唱部份段落。然而,Gene Greene 卻宣稱他的 scatting 是向同儕 Ben Harney 學來的。其他如鋼琴家 Jelly Roll Morton、喜劇演員 Joe Sims 都被視為創造、推廣 scat 演唱技巧的先驅。不過根據後世的研究和紀錄, Louis Armstrong 的 〈Heebie Jeebies〉 推出之後,確實引發了一股流行,引得眾人爭相模仿,也讓 Louis 被奉為 scat 演唱的始祖之一。

Ella Fitzgerald 出神入化的 Scatting

說到 scat,爵士音樂史上備受推崇的名家之中,在 swing 圈最廣為人知的歌手,大概要數 Ella Fitzgerald 了。另一位同期的爵士女歌手 Sarah Vaughan 的 scatting 和唱功也非常地驚人,像是她這首 〈Shoolie A Bop〉 (1969)現場演出 ,根本整首歌都在 scat!

但畢竟 Ella Fitzgerald 錄唱的樂曲中有不少是大樂隊時期的 Swing,Sarah Vaughan 的風格則較為前衛,所以舞者們可能對 Ella 比較熟悉。

順帶一提,筆者自己在十幾年前迷上爵士樂,就是因為聽了 Ella Fitzgerald 這首歌的 Live in Berlin(1960 版本唷!

Ella 的即興不只有豐富的 Scatting 段落,也在其中「借用(quote)」 了許多大家耳熟能詳的旋律。像是在這首 〈How High The Moon〉 的不同裏頭,她就 quote 了 〈A-Tisket-A-Tasket〉、〈Smoke Gets In Your Eyes〉 等歌曲的段落和主題樂句。Quote 這個技法在爵士即興中經常被使用,有機會多聆聽爵士樂的標準曲(Jazz Standards),你就會發現有許多演出中的即興段落,都偷偷借用了其他曲目的旋律和節奏唷!

唱出身體的節奏:從 Scatting 到 Improvising

「先會唱,才會跳」

即興(improvisation)是爵士樂之中不可或缺的元素,音樂家們在節奏及和弦共識下找到平衡,同時各自就當下的互動和感受即興演奏。這也是為什麼在爵士音樂裡,就算是同樣一個樂團重複表演同一首歌,每個版本之間都有顯著不同——畢竟每個樂團成員對該曲目都有重新詮釋的機會,再加上爵士樂編曲中安排的 solo 橋段,每次演出都能迸出新滋味。

筆者第一次體驗將 Scatting 應用在舞蹈學習上,是 2018 年的時候,來自巴賽隆納的義大利籍舞者 Leonardo 來台交流,私下分享了一段踢踏的 routine。那時候筆者還沒有真正學習踢踏(雖然現在也還沒有),即便可以把動作的樣子做出來,卻沒辦法像 Leonardo 一樣精準地踏出節奏。那時候 Leonardo 便要求我們將節奏哼唱出來,筆者還一度尷尬不願意就範,Leonardo 就說,「你必須知道怎麼唱才知道怎麼跳啊!(You have to know how to sing it before you dance it!)」

用身體唱歌 像樂手一樣即興演出

事實上,Juan Villafañe 曾在 2018 年 3 月來台分享時提到,以前舞者在溝通、交流舞步的時候,就是使用 scat 的方式,才有辦法將節奏清楚地記在腦海和身體裡。使用 scat 的好處之一,在於表達較複雜的節奏時,不需要受制於數字本身的發音,可以自然地用最能夠凸顯重音和促音等細節的發音。

在這個脈絡下, scat 其實是更為自然的「數拍」方式,並且可以用 scat 連帶表現旋律。好比說,我們可以用「shoo-ba!」去替代「and- four!」,在這個例子裡,「a」比起「r」結尾聽起來更爽脆俐落,也更容易強調出重音。跳舞不只是表現音樂裡已經有的東西而已,我們跳舞的時候就是用身體在唱歌,而我們即興時可以用 scat 作為參考輔助,讓肢體可以與口中哼唱的旋律同步——說到底,出一張嘴總是比實際做起來容易吧?那麼,至少先練習出一張嘴啊!

Scatting 概念在舞蹈上的實際應用

最後補充分享筆者自己在舞蹈學習之路上,實際見識或體驗過的 scat 技法應用。教學方面,許多老師都會像 Ksenia 和文中提到的 Leonardo 那樣,用 scat 的方式將舞步的節奏唱出來給學生聽。筆者自己在英國採訪過的資深舞者 Jreena Green 也都使用 scat 代替數拍,甚至在 Angela Andrew 主持的課堂上,連數預備拍都不准用「5、6、7、8」,必須用別的聲音替代、「哼」出拍子。

再來就是前面稍微提到的 quote 技法。其實有一個節奏是很多人都知道的,只是你可能沒仔細留意過它在樂手即興段落中的身影。請大家聽聽下方影片 1:35-1:36 左右的這段旋律,你們聽了會想接什麼呢?

——是不是會很自然地想要跟著拍兩下呢?而我們也可以看到,影片中的 Felix 也在聽到樂團演出的旋律後,在這段節奏上跳了左、右腳各一次 shuffle。筆者自己的感覺是,熟練 scat 之後,轉譯旋律上就能更加直接,不須轉換成節拍數字。(筆者本人其實有「用數字數拍」的障礙,反而相當佩服能夠用數字數拍的各位)

最近筆者在與幾位倫敦舞者合作編舞的過程中也發現,我們在溝通音樂段落及舞步編排時,都習慣先將音樂的節奏哼出來,再以該節奏去發想舞步。如此一來,就算原本是以 solo 創作的舞步,也可以很輕易地在相同節奏的基礎上做變化,甚至改為 partner dance。

以上是這次的分享,希望大家喜歡(手比愛心)


Reference

Burrows, George. “How Scat Singing Became an Expressive Language in Its Own Right.” The Independent, Independent Digital News and Media, 2 Nov. 2018, http://www.independent.co.uk/arts-entertainment/music/features/scat-singing-definition-jazz-history-louis-armstrong-ella-fitzgerald-cab-calloway-slavery-african-a8607061.html.

Goldberg, Thelma L. “Release, Relax, Ready: A Rhythm-First, Holistic Approach to Teaching Tap Dance.” Dance Education in Practice, vol. 4, no. 3, 2018, pp. 17–24., doi:10.1080/23734833.2018.1492831.

Henry. “How to Use Scat Singing Technique in Jazz.” BecomeSingers.Com, 16 Nov. 2018, http://www.becomesingers.com/techniques/how-to-use-scat-singing-technique-in-jazz.

“Louis Armstrong Popularized Scat Singing after He Dropped the Lyric Sheet While Recording the Song ‘Heebie Jeebies’ and Started Improvising Syllables.” The Vintage News, The Vintage News, 7 Feb. 2017, http://www.thevintagenews.com/2017/02/08/louis-armstrong-popularized-scat-singing-after-he-dropped-the-lyric-sheet-while-recording-the-song-heebie-jeebies-and-started-improvising-syllables/.

“Movement Memory.” The Dance Current, http://www.thedancecurrent.com/feature/movement-memory.

Samuels, A. J. “Ella Fitzgerald: The First Lady Of Scat.” Culture Trip, 29 Mar. 2012, theculturetrip.com/north-america/usa/virginia/articles/ella-fitzgerald-the-first-lady-of-scat/.

Parkhatskaya, Ksenia. “Practice Time! P.2: How to Practice Improvisation? • Ksenia Parkhatskaya.” Ksenia Parkhatskaya, 21 Nov. 2018, kseniaparkhatskaya.com/2017/07/practice-time-part-2-how-to-practice-improvisation/.

Wilson, John S. “JAZZ SINGER REFINES THE SCAT SINGING TRADITION.” The New York Times, The New York Times, 24 Feb. 1985, http://www.nytimes.com/1985/02/24/arts/jazz-singer-refines-the-scat-singing-tradition.html.

I Got Rhythm|Groove 到底是什麼?

本系列寫作的起點,原是筆者針對「音樂性(Musicality)」所產生的諸多疑問和學習筆記,希望藉機發表文章跟各位交流,一起從音樂的角度出發,探索爵士舞蹈的本源。


本文延續前一篇討論拍手的時間點和音樂的關係,進一步探討「Groove」的概念和原理,以及它在音樂和舞蹈上的應用。

在本系列第一篇文章中,我們從「如何正確地拍手」切入,粗略地分析了 swing 音樂的節奏,更透過 Wynton Marsalis 的解說,發掘 shuffle rhythm 的非洲節奏基因。但是,看了那麼多的理論和分析,實際上這些節奏是什麼「感覺」?人們又是用什麼語彙去描述特定節奏或音樂帶來的「律動感」?這篇文章要介紹的,就是學搖擺舞的你可能從來沒在課堂上聽過,卻是對培養音樂性和「舞感」不可或缺的概念—— Groove。

Groove 是什麼?來,讓大神們告訴你

下方是街舞舞者 Kevin Paradox 發表的影片,簡單扼要地說明「groove」概念的由來和定義。先來聽聽他怎麼說吧!

影片中提出,groove 這個詞彙首先由音樂家使用,用來描述「貝斯(bass)和鼓(drums)的關係」。貝斯和鼓在樂團中扮演節奏組的角色,並且由於貝斯可以表現音高及和弦跟音,這個組合的演奏,基本上奠定了一首歌的整體感和底蘊。貝斯和鼓表現的節奏及律動若完美地嵌合,就能創造出很棒的 groove,讓人能夠跟著音樂的感覺舞動。

雖然 groove 這個詞看似有很多種釋義,這其實只是同一個概念在不同脈絡和語境下使用的結果。聽起來很虛很玄?我來舉個實際的例子:

你一定看過這種人——他們跳起舞來好像特別輕鬆。舞步就算很簡單、沒有華麗的招式,也沒有從頭到尾都抓到每一個 break 大跳 solo。即便如此,他整個人在跳舞的時候,持續處於一個非常投入、好像跟音樂融為一體的狀態。

我們或許會說這人「舞感」很好。在筆者的認知中,若只能用一個標準定義「舞感」的好壞,這個關鍵就是 groove。當我們的身體律動和音樂呈現的感覺合而為一,就表示我們有在 groove 裡面(in the groove),處於在這樣的狀態下,就算只是站著點頭、原地律動,都可以「很有感覺」,「很 groovy」。

How to find the groove?

讓爵士音樂家帶你找到 Groove

前一篇文章的最後,我們看到爵士音樂家 Wynton Marsalis 和鼓手展示了「American Shuffle」節奏背後的豐富層次。現在,讓我們再次請到 Marsalis 大師和樂團成員為各位演示,不同樂器如何讓節奏層疊交錯,創造出音樂的 groove :

看完你可能會想說,天啊!這麼多樂器、這麼多層次,那我到底要「如何聽」才知道他們到底在幹嘛?(相信這也是很多人聽不懂爵士樂的原因之一。是嗎各位?)

我們再來看看台灣的爵士音樂家們怎麼詮釋 groove 這個概念,或許你會更有感覺。知名薩克斯風演奏家楊曉恩女士曾在講座中表示,「律動(groove)是爵士樂裡最重要的元素,當樂團演奏爵士樂時,一定要讓觀眾有律動感,如果這段爵士樂觀眾聽了如果動不起來,通常樂團要改良一下演奏方式」。謝啟彬先生(爵士音樂家,小提琴手)也曾多次在個人網站的教學文中強調 groove 的重要性,並將 groove 譯作「律動 / 動能」,將其與節奏(rhythm)及脈動(pulse)做比較。他在文章裏頭指出,音樂的「節奏」是可以隨時停下來、可以切換的模式,而「脈動」則是一個不斷循環的穩定脈動,兩者合一就形成了不斷往前推進的「動能」。

所以說,這是一個多麼奇妙的創作過程啊——音樂家們在一個脈動基礎上,各自發出不同的聲響(旋律&節奏)居然可以巧妙融為一體、還能邀請聽眾加入這個律動!真的太神啦。

How to get into the groove?

大概理解音樂家們是如何創造 groove 之後,我們可能更容易「聽見」一首歌帶給我們的律動感。但身為舞者,到底是如何加入這個創造的過程、開始舞動身體的呢?以下就請到街舞大師 Mr. Wiggles,為我們示範他是怎麼樣聆聽、找到節奏,再進入音樂的 groove 裡面的:

Mr. Wiggles 在影片中,對 Syncopation 有獨到的見解:「(syncopation)就是兩隻手各在做不同的事。」若我們直接將「整個身體的節奏」比做「整個音樂的節奏」,「兩隻手個在做不同的事」即等同於「音樂家們各自在演奏不同的節奏」,因為兩個節奏各自強調的 beat 不一樣,組合在一起的話,不正是兩者「(互相)打亂原本設定的強拍、破壞常態性的規律,進而創造出聽覺上的驚喜感」嗎?

讓我們套用前一個段落的概念,進一步分析 Mr. Wiggles 解說的脈絡:我們首先要找到音樂中的脈動(pulse)做為身體校正節拍的基準 ,接著去找到節奏的 pattern、進入音樂的感覺裡面。接著我們可以再進入另一個層次—— 既然已經跟著音樂家一起在 groove 裏頭穩定地脈動、聽見他們演奏的節奏,我們便可以一起創作。而這個進入音樂自由創作狀態,就是街舞世界中的 Free Style,也是 Swing Dance 和爵士音樂中的 Improvisation(即興)。

什麼是 Swing 的 Groove?

然而,屬於 Swing 的 groove 是什麼呢?在 Lindy Hop 的課程中,我們似乎鮮少提到 groove 這個概念,就算是去上 Musicality 的課,也幾乎只教大家怎麼去分辨樂曲的段落、練習抓 break,或是講一些「跟音樂很合的」Styling。不過,這也不能怪任何人——畢竟 groove 涉及每個人使用身體的習慣和聆聽音樂的方式, 很難在短短幾個小時的課程內就讓每個人脫胎換骨。於是,老師們經常只能反其道而行,介紹各種「進入 groove 的『結果』」,讓學生反覆演練,期待能在過程中給大家一些啟發。

但說到底,某種音樂和舞蹈的 groove 「該是什麼樣子」,絕對不是任何人說的算。就算如 Swing 音樂的特定樂種(genre)有屬於它的 groove,每一首 Swing 歌曲在不同時間地點,經過演出者和觀眾的詮釋之後,每個人的體驗和感受都是獨一無二的。作為一種由黑人社群發展出來的舞蹈,Lindy Hop 和街舞一樣,每個人都有詮釋音樂的自由。雖然搖擺音樂有特定的結構和常見的節奏(請見上一篇),搖擺舞語彙中也有所謂的「bounce」 、「8-count 和 6-count 基本步」以及不同的「style」,我們甚至可以綜合各種理論,找出「最適合」這種舞蹈的律動。但無論如何,我們絕對不能忘記一件事:

每個人都不一樣,每個人都有屬於自己的 groove。正因為尊重彼此的差異,在搖擺舞中,每個人都可以在音樂中展現自己,同時和別人互動、一起創造新的 groove,才能夠在持續與舞伴溝通、尋找平衡的狀態下,還能感覺那麼自由而不受拘束

希望這篇文章對想要進一步學習搖擺舞、認識爵士音樂的你有所幫助。往後會繼續從爵士音樂和舞蹈的角度,延伸討論「groove」 這個核心概念,分享各種應用及練習的辦法。

謝謝您的收看!敬請期待下集(手比愛心)


Reference

Dogpossum. “Groove or Pulse?” Dogpossum.org, 8 Aug. 2017, dogpossum.org/2017/08/groove-or-pulse/.

Team, U. “Polyrhythm for Beginners.” Musical U, Musical U, 9 May 2018, http://www.musical-u.com/learn/making-sense-of-polyrhythms/.

“欣講堂/要聽懂爵士 先搞懂Groove、即興.” Http://News.xinmedia.com/, news.xinmedia.com/news_article.aspx?newsid=224372&type=1.

謝 啟彬. “從Blues到Hip-Hop – Groove無所不在!.” 啟彬與凱雅的爵士樂 Chipin & Kaiya’s Jazz, http://www.chipinkaiyajazz.com/2016/10/blueship-hop-groove.html.

謝 啟彬. “搭上Groove的軌道 – 用簡單的高低音旋律來找到Groove的入口.” 啟彬與凱雅的爵士樂 Chipin & Kaiya’s Jazz, http://www.chipinkaiyajazz.com/2017/04/groove-groove.html.

I Got Rhythm|先別管節奏了,你懂拍手嗎?

本系列寫作的起點,原是筆者針對「音樂性(Musicality)」所產生的諸多疑問和學習筆記,希望藉機發表文章跟各位交流,一起從音樂的角度出發,探索爵士舞蹈的本源。


本文將從「強拍、弱拍」觀念切入,認識爵士樂的重要元素「切分(Syncopation)」,並透過「搖擺節奏(Swing Rhythm)」探索其根源——「非洲節奏(African Rhythm)」。

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從「正確地拍手」開始感受音樂

大家剛開始學 Swing Dance 的時候一定會發現,若跟著音樂打拍子,我們都習慣打在偶數拍上。以 Swing 常見的 4/4 拍(每小節四拍,4 分音符為一拍)來看,就是拍在 2&4,而不是 1&3。但,你有想過為什麼嗎?

“Always Clap on 2&4”

為什麼拍手這麼重要?先讓我們看一下這段影片,分別由黑人神學家 Jeremiah Wright(順帶一提,他同時也是美國前總統歐巴馬的牧師)、爵士歌手 Dawn Hampton 和爵士音樂家 Duke Ellington 向聽眾說明,什麼叫做「正確的拍手方式」。若時間有限,還請務必開聲音看完第一段。

影片第一段裏頭, Jeremiah Wright 就哼唱著揶揄道,「如果你有白人捧油,他們就會像這樣紙拍手(If you’ve got some white friends, they will be clapping like this, y’all.)」,並點出歐洲音樂傳統的框架之下,將 1&3 作為強拍(downbeat)、2&4 作為弱拍(upbeat)[1],但在黑人音樂中,強調的卻是 2&4。

從影片裏我們可以感受到,明明是跟著同樣的旋律拍手,拍在 1&3 的時候,就沒有拍在 2&4 那樣來得放鬆、慵懶——而「放鬆、慵懶」,不就是爵士樂給我們的感覺嗎?爵士樂最重要的特色之一,絕對是大量使用「切分音(Syncopation)」,因為它賦予了爵士樂搖擺的節奏。但切分音到底是什麼呢?它跟「拍手拍在 2&4 上」又有什麼關係?

打亂預設強拍的切分音( Syncopation)

切分音的定義和作用,是打亂原本設定的強拍、破壞常態性的規律,進而創造出聽覺上的驚喜感。創造 Syncopation 有很多方式,如果不改變「1、2、3、4 」的節奏,最簡單的辦法,就是將強拍和弱拍對調。以下就用 4/4 拍小節舉例,「粗體字加底線為強拍:

  • 預設:1 2 3 1 3 4
  • 切分:1 2424

當我們在預設強拍為 1&3 的 4/4 拍樂曲裏頭,反其道而行地強調 2&4、打亂預設的狀態,造成強弱拍錯置,營造動態感,讓人聽了忍不住跟著舞動身體。若在音樂已經是 syncopated 的情況下,硬是要拍在 1&3 上,就會有種說不上來的滑稽和突兀感。像是前一段影片中, Jeremiah 演唱的歌曲旋律本身就有 syncopation,此時若拍手拍在 1&3,便是破壞了那種放鬆的感覺。

然而,並非全部有 syncopation 的音樂都可以稱作爵士樂,在流行樂和搖滾樂中,都可以找到 使用切分的節奏。而爵士樂雖然都給人搖擺的感覺(swing feeling),卻不是所有爵士樂都能被稱作「搖擺樂( Swing music)」。

Swing it! 讓人情不自禁舞動的節奏

警語:這部分比較麻煩,沒耐心讀可以直接 end 沒有關係的(笑)

我們現在跳的搖擺舞起源自1920 年代晚期,實際在美國全國上下引發流行,是搖擺樂的鼎盛時期(1930-40 年代左右,亦作「搖擺年代」或 「Swing Era」)。那時候的爵士樂團多採大樂團/大樂隊(Big Band)編制,這些爵士大樂團所演奏的音樂,在當時主流音樂市場上就被稱作 Swing,像是 Benny Goodman、Count Basie、Duke Ellington 的大樂團等所演奏的搖擺樂,至今仍是許多舞者心目中的最愛。

雖然搖擺樂在當時蔚為風潮,但就像很多新型態的樂種(Genre),其樂理上的定義不如古典樂那般嚴謹而絕對。但如果像筆者一樣(想不開)想進一步分析搖擺樂,我們得先認識「搖擺八分音符(swing eighth)」[2]。

延續前面提到概念,我們可以透過置換強弱拍創造 syncopation,也可以利用反拍(off-beat)來製造 syncopation。同樣以 4/4 拍為例,首先讓我們在演奏一個反拍上沒有搖擺的八分音符 (straight eighth):

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當我們再度打亂這個結構,讓八分音符搖擺一下、使其延遲出現,就可以把節奏變成下方所示的樣子。這時的八分音符便成了 swing eighth:

Screen Shot 2019-03-08 at 13.19.33

同時,你或許也聽說過這樣的解釋:搖擺舞踩的 triple step 節奏 「1 & 2、3 & 4」,是將每一拍再化為等分的三連音(triplet subdivision),讓「&」大致落在最後的 1/3 上。讀完這些,冰雪聰明的你應該會發現,我們在搖擺舞中說的這個「&」,就是音樂上的 swing eigth [3]。

以上就算看不太懂,老實說也啥沒關係。基本上,只要你感覺「兩拍之間加入的聲音比較靠近後面那拍」,就可以創造出 swing 的感覺了

搖擺的基因:隱藏在音樂裏頭的非洲節奏

讀到這邊仍然腦袋清醒的各位,或許腦中已經浮現了一個疑問:為什麼在說明 swing rhythm 的時候,要將一拍切成三等分,而不是四等分、五等分呢?不是說只要「“1 和&”之間的距離>“&和 2 ”之間的距離」,都符合廣義的 swing rhythm 嗎?

先讓我們來看一下這個由 Wynton Marsalis 與哈佛大學合作的爵士樂講堂,由樂團鼓手演示我們經常聽到的 American Shuffle [4] 是如何取材自6/8拍的非洲節奏:

這個 shuffle rhythm,正是我們在搖擺樂和其他音樂中常見的節奏,這也是為什麼我們在說明 triple step 的時候,會將一拍化成三連音去解釋。Shuffle rhythm 既是我們在辨別「搖擺樂」的參考基準,也是常見的誤區——由於 shuffle rhythm 實在太常見,有時候會在 social 上聽到一些使用 shuffle rhythm 、卻不能被稱作 swing 的歌曲。它們雖然有著和 swing 相似的節奏,卻不會讓人想跟著跳搖擺舞。

非洲音樂的特色,就像上方影片所演示,在於複節奏(Polyrhythm)[5] 以及旋律和節奏結合的型態 [6] ,其節奏層次飽滿豐厚,並且透過旋律本身就能表現出來,就像一開始 Jeremiah 哼唱的音樂那樣。而揉合非洲及歐洲音樂傳統的爵士樂,最令人著迷之處,正是在看似輕鬆寫意的和諧樂音之下,由不同的聲部和樂器即興演奏,在不斷碰撞之中取得巧妙的平衡、擦出火花,進而交織、堆疊出豐富的層次感。

下一篇我們將從 African Rhythm 繼續延伸,討論「Groove」這個音樂和舞蹈上的重要概念,拋開樂理、實際用身體去感受音樂帶給我們的律動感。請繼續鎖定唷(手比愛心)


Notes

[1] 在西方音樂傳統中的4/4拍樂曲裡,只有第1拍是強拍,第3拍為次強拍,只不過第3拍還是比 2&4 來得強。為求簡潔、並配合 Jeremiah 影片中定義的 dominant beat ,文中將 1&3 概括統稱為強拍(downbeat)。

[2] swing eighth 亦作 swing quaver。不少人會將其稱做「swung eighth/quaver」,原因在於將 swing 當作動詞的話, 「swung」是更符合文法規則的用詞。然筆者在搜尋資料的時候發現,樂手間似乎更習慣使用 swing eighth、swing rhythm,故在文章中沿用之。

[3] 根據一些理論定義,「搖擺八分音符」實際上應該要落在「straight eighth」以及「後1/3拍」之間(例三)。下方將兩拍之間切成 12 等分,等分點以「。」表示;切分音則以「&」表示,說明 swing eighth 的位置:

例一:1。。。。。&。。。。。2(straight eighth)

例二:1。。。。。。。&。。。2(在後1/3 拍上的切分音)

例三:1。。。。。。。。。。2(swing eighth 實際可能落在的位置)

事實上,例二這個固定的節奏形態被稱為 shuffle(詳 [4]),然而在爵士樂中並不會真的一直演奏同樣固定的節奏,往往根據樂曲風格加上樂手的個人詮釋,讓那個「&」稍微提前或延後。

[4] Shuffle 節奏的基本定義為,將每一拍再化作三連音(triplet subdivision),把連續的兩個八分音符當作三連音中的 1&3 演奏。此時,便會形成像 [3] 之中的例二,「1和&」與「&和2」的比例正好是 2:1。由於我們經常可以在搖擺樂曲中發現 shuffle 節奏,很多人便將 swing rhythm 和 shuffle rhythm 畫上等號。

[5] Polyrhythm 簡言之就是在同樣的拍號(4/4、3/4)下,演奏兩種以上的節奏。好比說影片中所展示的 6/8拍 African Rhythm ,就是同時演奏加上 accent 的八分音符(1 2 3 4 5 6、1 2 3 4 5 6),以及穩定的複點八分音符(1 2、1 2)。

[6] 非洲音樂的特色在於旋律可以表現節奏、節奏可以聽出旋律,這樣的音樂複合型態稱為 melo-rhythm。


Reference

Hong, Angela. “給舞者的 SWING 樂理:節奏練習 #1.” Kiss & Tell, Kiss & Tell, 22 Feb. 2017, http://www.kissntellvintage.com/chineseblog/2017/2/22/-swing-1.

Pouska, Andrew. “Shuffle and Swing Rhythms | Rhythm.” StudyBass, http://www.studybass.com/lessons/rhythm/shuffle-and-swing-rhythms/.

Pouska, Andrew. “The Eighth Note Triplet Subdivision | Rhythm.” StudyBass, http://www.studybass.com/lessons/rhythm/the-eighth-note-triplet-subdivision/.

Sutton, Christopher. “Learn to Hear the 6/8 Time Signature.” Musical U, Musical U, 22 Apr. 2018, http://www.musical-u.com/learn/learn-to-hear-the-68-time-signature/.

Team, U. “Musicality Means… Clapping in Time.” Musical U, Musical U, 3 May 2018, http://www.musical-u.com/learn/musicality-means-clapping-in-time/.

Team, U. “Polyrhythm for Beginners.” Musical U, Musical U, 9 May 2018, http://www.musical-u.com/learn/making-sense-of-polyrhythms/.

林 華勁. “一分鐘搞懂爵士樂.” Blow 吹音樂, 17 Oct. 2016, blow.streetvoice.com/9769-一分鐘搞懂爵士樂/.

謝 啟彬. “搖擺八分音符(Swing Eighth)的介紹與應用.” 啟彬與凱雅的爵士樂 Chipin & Kaiya’s Jazz, 20 Oct. 2015, http://www.chipinkaiyajazz.com/2015/10/swing-eighth.html.

謝 啟彬. “超級視譜大法—「正反空」節奏的排列組合與應用.” 啟彬與凱雅的爵士樂 Chipin & Kaiya’s Jazz, 15 July 2015, http://www.chipinkaiyajazz.com/2015/07/blog-post_15.html.

Let’s Talk About Swing|這不是吉魯巴

搜一下 Wikipedia 就可以發現,其實 Swing Dance 的資訊非常齊全,唯獨對應的中文資料非常少,就算有也是相當零散,缺乏系統化的整理。

這個系列的寫作初衷,是透過將現有資訊中文化並加以編輯,書寫成輕鬆易讀的系列文章,讓有興趣了解 Swing Dance 的朋友們能夠更有效率地認識這個獨特的舞蹈與文化。


記得剛開始學舞的時候,有位朋友曾提到,他的母親某次看到搖擺舞,就問說:

「那不就是『吉魯巴』嗎?」

就連筆者的娘親,也一度以為自己女兒在跳的是吉魯巴——

三步吉魯巴演示

你才吉魯巴,你全家都吉魯巴。

究竟,台灣長輩們口中的「吉魯巴(Jitterbug)」、Swing Dance、Lindy Hop 到底有什麼淵源呢?他們真的有那麼像嗎?

誕生於台灣舞廳的「三步吉魯巴」

在探討吉魯巴和搖擺舞之間的關聯以前,讓我們一起回到八〇年代的台灣舞廳,看看當年風靡潮男潮女的「吉魯巴」是怎麼誕生的。根據台灣國標舞界資深舞者王英宗先生口述,三步吉魯巴是簡化自六步吉魯巴的舞蹈:

「吉魯巴是一種熱情活潑、輕鬆歡樂的舞蹈,從早期捷舞〈俗稱八步〉,第一次簡化成六步吉魯巴,但對一般年齡稍長者也是太快 ,所以再一次簡化,二步縮成一步,六步就變成三步,沒想到簡單易學,很快流行起來,連年輕人都喜歡跳。」

六步吉魯巴演示

文章也提到,跳三步吉魯巴的時候「膝蓋有彈性」,跟當時的舞場空間有關:

「相傳三步吉魯巴這種舞蹈源於中南部,跳這種舞蹈有一個很特別之處,便是膝蓋要有彈性,跳起來好像在彈簧床上行走一般,因為當時中南部舞場地板有彈性,所以跳起來自然而然整個人就如同在彈簧床上行走一般輕快。」

由於「三步吉魯巴」基本步相對其他社交舞來說較為簡單,至今在台灣仍經常作為社交舞入門的首選。但也必須在此補充,並不是所有社交舞都是國標舞。三步吉魯巴雖然取樣自六步吉魯巴(Jitterbug),和國標舞中的捷舞(Jive)是同樣源自搖擺舞,三者之中卻只有捷舞是國際競賽制度中定義的標準舞。

Jitterbug = Swing Dance = Lindy Hop?

那麼「六步吉魯巴」到底長什麼樣子、跟 Lindy Hop 又有什麼關聯呢?要知道他們的關係,必須先回顧「Jitterbug」這個名詞的產生及流行的脈絡。根據舞者 Bobby White 精心統整各方說法而寫成的文章 〈The Definition of Jitterbug〉 ,可以簡單列出以下重點:

  • 「Jitterbug」 在二十世紀初的美國通俗文化中,是一個帶有貶義的詞彙,被拿來泛指跳(Swing Dance)跳得很差的人。Jitter 在口語中的意思是酒精,而根據典故, Jitterbug 可以被理解成是指那些喝酒喝到站不穩、跳舞跳得七零八落的人。
  • 「Jitterbug」 這個詞彙開始被廣泛的使用,跟 Cab Calloway(知名樂團指揮、娛樂家)以及當時音樂短片(soundie)的普及有很大的關係。Cab Calloway 在 1935 年演出音樂短片 《Cab Calloway’s Jitterbug Party》,將「Jitterbug」傳入主流社會中。影片之中的歌曲 〈Call of the Jitterbug〉,配上人們(在沒有過度飲酒的狀態下)跳著搖擺舞的畫面,某種程度上也重新定義了「Jitterbug」 的意思。
  • 事實上,Lindy Hop 在三〇年代以前,是僅風行於紐約哈林區和周邊地區的小眾舞蹈。直到 1935 年 Benny Goodman 大樂團在加州巡演成功,開啟了「搖擺年代(Swing Era)」,爵士樂才算是真正躍升為美國的流行音樂,多數美國人也是在那時才接觸到搖擺舞。可以想見在當時「Jitterbug」已經被廣泛使用的情況下,大眾和媒體也就直接以「Jitterbug」代指 Lindy Hop,甚至泛稱所有搭配搖擺爵士樂(Swing Jazz) 的 Swing Dance。

由「搖擺年代」引發的搖擺舞熱潮,加上傳播過程中,像是 Arthur Murray (美國連鎖舞蹈學校創辦人)等人的重新詮釋, Jitterbug 被後世一些舞者視為「single-step 6-count East Coast Swing」的代稱。而這個經過標準化、商品化,被當作社交舞套裝課程傳授的「East Coast Swing(亦稱 Eastern Swing)」,其實就是我們前一個段落所稱的「六步吉魯巴」之前身。

East Coast Swing 演示

從音樂的角度去理解,更可以發現 Jitterbug 舞蹈搭配的音樂其實就是 Swing。台灣爵士音樂家謝啟彬老師,便曾撰文說明吉魯巴和爵士樂的關係:

「國標舞(註:應更正為社交舞)中的Jitterbug(吉魯巴)其實原本是指舞步,但傳進台灣時,當時大部份都是幫舞者舞客伴奏的樂手,就慢慢地將舞步的名稱,叫成是音樂風格的名稱。」

而在過去,Jitterbug 最初搭配的就是搖擺爵士樂(Swing Jazz)。 然而現在應映時代潮流的改變,台灣的三步吉魯巴已幾乎不再搭配搖擺爵士樂,才演變成現在這個撲朔迷離的案情啊(手臂拍手心)。礙於篇幅和主題的關係,在此就不繼續說明爵士音樂和舞蹈的關係。有興趣了解吉魯巴舞蹈、爵士樂和搖滾樂的淵源,可參考 Reference 的連結。

Lindy Hop 不是「吉魯巴」,而是它祖嬤

綜合以上的分析和文獻討論,我們可以得出以下主要的結論:

  1. Jitterbug 在 Swing Era 一度成為搖擺舞(Swing Dance)的代稱。但由於搖擺舞其中一種風格被當時的舞蹈教室標準化,開發出以六拍為基本的 East Coast Swing。East Coast Swing 雖然跟其他搖擺舞風格不同,卻同樣被稱作 Jitterbug,混淆之下,才有了後來所稱的「六拍吉魯巴」。
  2. 包括「吉魯巴(Jitterbug)」在內,台灣的社交舞多經過改良和在地化,無論是搭配的音樂或基本步都已經和原型不同。台灣的「三步吉魯巴」是改良自風格上更接近國標舞的「六拍吉魯巴」,跟我們現在跳的 Lindy Hop 無論是聽起來(音樂)跟看起來(基本步和律動)都差很多。

所以下次長輩再問說,你們跳的這個是不是吉魯巴?或許可以回答說,我們跳的這種舞叫 Lindy Hop,不是台灣本土的三步吉魯巴。

「但它(Lindy Hop)是吉魯巴的祖嬤。」


Reference

“Distinguishing the Differences between East Coast Swing, West Coast Swing and Lindy Hop.” Dancetime.com, 27 June 2017, http://www.dancetime.com/east-coast-swing-west-coast-swing-lindy-hop-differences-1830/.

“Swing Dancing vs. Lindy Hop: What’s the Difference?” Michael and Evita, 18 Feb. 2017, michaelandevita.com/swing-dancing-vs-lindy-hop-whats-difference/.

White, Bobby. “The Definition of Jitterbug.” Swungover*, 14 Dec. 2010, swungover.wordpress.com/2010/11/09/the-definition-of-jitterbug/.

王英宗. “跳好三步吉魯巴的一些技巧.” 華山論舞, http://www.dancers.com.tw/te/te-05/0511.html.

林語綸. “淺談三步吉魯巴學習技巧.” 華山論舞, http://www.dancers.com.tw/te/te-03/te-0302.html.

楊杰.“台灣探戈三步吉魯巴舞步發明人.” 華山論舞, http://www.dancers.com.tw/rep/rep2009/0902.html.

謝啟彬. “吉魯巴、阿哥哥、扭扭舞…其實音樂本質上都是「節奏藍調」 – 舞曲風格與音樂風格的再次交錯.”, 啟彬與凱雅的爵士樂 Chipin & Kaiya’s Jazz, www.chipinkaiyajazz.com/2017/08/blog-post.html?fbclid=IwAR2EH9Ag2ACW3NR9YyBFw9PDc2SHOT6yUs_VGwCYtStbZLEfPPhFJ8EDiAI.

謝啟彬. “是舞步還是音樂風格?-從「吉魯巴」談起,認識爵士樂與搖滾樂本是同根生.” 啟彬與凱雅的爵士樂 Chipin & Kaiya’s Jazzwww.chipinkaiyajazz.com/2015/09/blog-post.html.

運動星球 . “國標舞,社交舞?傻傻分不清楚?.” 運動星球 Sportsplanetmag, http://www.sportsplanetmag.com/blog_16051010205669756.aspx.

Keepin’ It Real|The Shed

本系列發祥自作者在倫敦就讀碩士期間,透過訪談、田野調查等方法試圖了解當地 Swing Dance 發展現況的過程中,針對當今 Swing Dance 文化的 Authenticity (本真性)所產生之疑問與想法,希望藉機發表相關文章與各位讀者討論及分享。


本文將藉由筆者近期參與 Angela Andrew 所主持之 The Shed 之經歷,與各位分享這位 Swing 界大前輩、老師們的老師,是如何訓練舞者的。

The Shed

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(圖:傳奇踢踏舞者 Charles “Honi” Coles)

The Shed,是每月一次的小班制訓練團,藉由常態的團體練習,琢磨 Lindy Hop 和 American Vernacular Jazz 的基本功。 The Shed 的名稱典故,根據 Angela 發布的網頁資訊,是來自一位傳奇舞者 Charles “Honi” Coles ,經由密集的反覆練習,終於成為「fastest feet in the world」。

爾後,「Woodshedding」這個名詞,也廣泛在音樂家之間被使用,它可以是一群樂手聚集在一起磨練,也可以是個人的閉關練習。

“Shed and sharpen your tools through technique-focused exercises, prayer and a renewed commitment to the art and excellence of your craft and ability as a musician.”

Angela 也在一開始就開誠布公地說,自己將會非常嚴格地對待所有人,並且她對大家都會維持尊重,但也保證絕對不會對大家很 nice。

先說結論:這三個小時、加上老師總共只有 8 個人的練習團,是我學舞以來最緊繃、壓力最大的學習體驗,也一度開始懷疑人生,甚至覺得自己根本就不會跳舞。英國同學也在過程中分享心得,說這次無疑是一個非常 humbling (使人謙卑)的體驗。

(突然覺得這系列可以下個副標:在英國被老師罵爆的日子(笑))

Finding Your Center

前一段稍微介紹了 The Shed 的形式,那麼它核心概念是什麼呢?本系列第一篇關於Airstep 的文章 就有強調,Lindy Hop 和爵士舞蹈,強調的是節奏。Charles “Honi” Coles 在一次訪問中就點出了這根本的差異(約 6:00 開始):

 

“[…] Have control of your feet, have control of your arms, etc. But let your body just be free and easy. Because, tap (dance) … is a free, natural, easy way of dancing. Contrary to ballet. Ballet requires certain positions, certain ways to hold your hand, your fingers, etc. That doesn’t apply to tap at all. ”

Charles 提到了最關鍵的一點:踢踏舞是一種自由、自然的舞蹈。跟踢踏舞同源的爵士舞和 Lindy Hop 也符合這個美學觀。(延伸閱讀:Swing Dance 是一種街舞?!)不同於芭蕾舞和國標舞等源自歐洲體系那樣,強調標準化的線條及身體控制的精準度,在爵士舞的世界中,每個人都能用自己獨特的身軀,跳著形狀截然不同的舞步,卻能在同樣的節奏中和諧共鳴。Charles 也在訪問的最後說道,節奏無處不在,無論是我們走路、呼吸,都有節奏。

所以,為了能回歸到這個舞蹈的本源——身體的節奏,我們首先進行的暖身運動,是一個 45 分鐘左右,結合核心訓練、間歇有氧及肢體開發的練習。藉由奔跑、跳躍,誇張地擺動肢體等活動,讓我們能在自然放鬆的狀態下,去感受並找到自己的 Center,亦即啟動一切動作的身體中心。

聽起來很容易,做起來卻非常難——這才發現,包括我自己在內,原來多數人在學舞的時候,都有一個心態,想要先跳得「像」再說。於是,我們一心只想著要讓自己手腳擺動的方式和形狀看起來跟示範動作的老師一樣,反而沒有在一開始就將意識聚焦在動作轉換過程的時間感(節奏)上。

Rhythm & Calibration

結束熱身,我們便展開將近一小時的「節拍器」練習:將身體為節拍器,對著音樂的節奏,兩隻腳輪流「落(drop)」在拍點上。以一小節為單位,我們從 half time 開始(二分音符),接著是 single time(四分音符)、double time(八分音符)一直到最快的十六分音符,過程中除了留意落地的時間點是否正確,更重要的是這個節奏是否由 Center 啟動——若只是單純用兩隻腳去採拍子,那麼便是忽略了身體自然整合的穩定狀態,而用控制四肢的方法使喚自己的雙腳踏在拍子上。

練習的一開始,我們搭配的是 120 bpm 左右的 hip hop 音樂,隨著切換成 160 bpm 以上的 Swing Jazz,個人身體內部的中心節奏開始變得不穩定、跟不上音樂等問題逐漸浮現,有時候會為了讓腳踏在拍點上反而顯得很倉促、僵硬等等,練習的時候可說是全部的人都被 Angela 糾正/訓斥了一輪(笑)我個人的問題在於,自己會因為專注在音樂的節奏上而全身緊繃,甚至像之前舞團練習時在全體面前踩 triple step 一樣一度忘記呼吸。

Angela 舉了爵士鼓手為例。她說,爵士鼓手最厲害的是,即便是打著那麼複雜的節奏,他還能維持在同樣的拍子(tempo)上。套一句當天同學說的話,每一個舞者都應該和樂手一樣,擁有讓身體中心能維持穩定的節拍作為校準(Calibration)的能力。如此一來,在同樣的拍子上,每個人用不同的方式一起表現著一樣的節奏。這就像爵士樂手們可以在同樣的和弦進行上演奏不一樣的旋律,每個人都能充分表現自己,彼此的聲音卻又能融為一體。

Dance Like Yourself!

那麼要如何知道每個人都在同樣的節奏上呢?最後的一個團體練習,就是大家一起跳一段 4 個 8 的 routine(下方影片 0:23 至 0:43 左右)

 

而筆者本人在此練習的開頭就被罵了。原因是我又以平時習慣的方式去學舞步——也就是先擷取身體的形狀,而非節奏。

Anybody can do these shapes.

(任何人都可以模仿這些身體形狀)

Stop doing what other people tell you to do, dance like yourself!

(不要再讓別人告訴你怎麼做,做你自己!)

接下來,我們更花了不少時間在確定彼此表現的節奏是同步的,而我們所用的方式非常簡單,就是「用耳朵聽」,直到所有人的腳步和拍手的聲音都一致為止。過程中,有一位同學因發現另一位同學在 full break 的最後採用雙腳開合跳,而非兩腳輪流踏步,便向 Angela 提出質疑。

「⋯⋯我不確定這(動作)有沒有需要統一?」

「妳跳一次。(同學A跳)好,你跳一次。(同學B跳)。我『聽』起來是一樣的呀。」既然節奏一樣,何必拘泥他是用單腳還是雙腳踏的?

是呀!同樣的節奏可以有不一樣的詮釋,就是 Jazz 最迷人的地方。

結語

第一次參與 The Shed,整體而言是個非常具有啟發性的體驗。除了接觸到截然不同的教學方式,也透過扎實的練習,直視自己的不足。但就像文章一開始強調的,這類型的基本功是須要長時間投注心力去磨練的,絕非一蹴可及。奢望只要自己每次都有出現在課堂上就能進步,是不可能的。因為真正的挑戰和磨練,是在課後的自主訓練才開始。

再來就是,比起練習團或工作坊,The Shed 對我來說比較像是定期的健康檢查,讓老師、前輩、其他舞者幫自己指出盲點,便能有效率地修正缺點、確保自己走在正道上。我認為這樣的方法對於有心想要提升自己的中高階舞者來說非常有效,但以這次的經驗來說,為了講求效率、有時過於直接的語言,可能會讓部分成員玻璃心碎一地。然而這也證實,比起歡樂的課堂,我更偏好嚴格的訓練。因此,之後絕對會再回去 The Shed,看看下次老師要怎麼罵我(笑)

以上就是今天的分享!感謝收看,我們下次見(手比愛心)

 

Let’s Talk About Swing|Lindy Hop 簡史中文版摺頁出爐!

搜一下 Wikipedia 就可以發現,其實 Swing Dance 的資訊非常齊全,唯獨對應的中文資料非常少,就算有也是相當零散,缺乏系統化的整理。

這個系列的寫作初衷,是透過將現有資訊中文化並加以編輯,書寫成輕鬆易讀的系列文章,讓有興趣了解 Swing Dance 的朋友們能夠更有效率地認識這個獨特的舞蹈與文化。


先前在國際間知名的 Swing Dance 網站 Yehoodi 上看到這份 Lindy Hop 簡史摺頁,很羨慕英語世界的社群擁有這份資料,沒想到今年二月上旬,來自台灣的舞者、同時也是我習舞路上的恩師 Yivii Su 就將它翻譯成中文版了!Yivii 也在個人臉書貼文中表示,歡迎各位 organizer 將摺頁印製出來發放。

由於太過感動的關係(?)特別為此發一篇文分享。

Lindy Hop 簡史中文版摺頁內容共有兩頁如下方所示,內容我就不再贅述啦。

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在此也預告,本系列接下來的幾篇文章,會聚焦在 1980 年代搖擺舞復興迄今的發展和重要事件,各位敬請期待!

Lindy Hops the World|London: Swing Patrol

本系列包含筆者在各地與舞者交流的心得,以及對各個 Dance Scene 和社群的觀察紀錄。系列命名取材自 1927 年美國飛行員 Charles Lindbergh 飛越大西洋的創舉,據傳也是 Lindy Hop 舞蹈名稱的由來。


自從 2018 年 9 月中旅居倫敦以來,已經有半年的時間都在探索倫敦的 Dance Scene,今天想跟大家分享的是以英國倫敦為據點、堪稱全世界規模最大的連鎖 Swing Dance Company—— Swing Patrol。

為什麼討論當今倫敦的 Swing 生態,非得先提 Swing Patrol 不可?幾點原因如下:

  • Swing Patrol UK 今年(2019)於倫敦成立滿十週年,是倫敦最年輕的社群之一,同時卻是在當地開設最多課程及 Social 的組織,並經營 5 個舞團,培養出不少舞者和師資。
  • Swing Patrol 是跨國的連鎖學校/教室/公司,在澳洲 SydneyMelbourne、英國 London、Brighton、德國 Berlin荷蘭 Leiden 都有分部。
  • Swing Patrol 是幾個倫敦主要的大活動如 London Swing Dance Festival 和 London Throwdown 的主辦單位。

基於上述幾點,筆者認為,Swing Patrol 空降倫敦的十年來,某種程度上重塑了倫敦的 Social 生態和整個 Swing Dance Scene,所以不得不特別獨立一篇專文介紹。再加上自己目前身兼該公司旗下兩個表演舞團的成員,希望能藉由這個(難得有心情想寫文章的)機會,將自身經歷和觀察整理下來跟同好分享。

預告:本文將會涉及一些個人觀感,希望大家不要太激動(笑)

那麼,讓我們開始吧!

由澳洲白人開創的 Swing 社群

是的,這是一個由名叫 Scott Cupit 的澳洲白人男性與其夥伴創立的公司。

草創於 1998 年, Swing Patrol 從澳洲墨爾本及雪梨等城市開始經營社群,接著在 2009 年由 Scott Cupit 率領團隊來到倫敦展開 Swing Dance 的推廣教學,迄今已 10 年。為什麼一開始就要下這麼聳動的副標呢?日後在探討整個倫敦 Swing Dance Scene 的時候會有更深入的討論,不過簡單來說,「澳洲白人」這個標籤,正好點出了兩件事:

  1. Swing Patrol 不是倫敦當地的原生社群,而是已經發展出社群經營模式的「外商」
  2. Swing Patrol 能夠迎合白人文化和白人為主的客群之喜好

且讓我們由 Scott Cupit 於 2015 年出版的書籍 《Swing Dance: Fashion, music, culture and key moves》展開討論。在這本圖文並茂的全彩書籍中,有非常大的篇幅在討論各種舞風興盛年代的時尚,例如 1920 年代的 Flapper 裝束、Collegiate Shag 的學院風打扮等,接著才是各個舞蹈的基本舞步圖文教學。筆者已拜讀完該作,認為該書介紹各種舞風的概述皆非常完整,也確實涵蓋了關於音樂的基本知識,但仍驚訝於內容之中討論不同年代的衣著風格和裝束的比重,居然跟舞蹈本身不相上下,甚至讓人留下更深刻的印象。

光是從這樣的編排就可以看出,Scott Cupit 非常清楚大眾感興趣的內容是什麼,也懂得運用不同媒介為自家的服務和品牌做宣傳,非常有商業頭腦。不過這也沒什麼好訝異的—— Scott Cupit 在成立 Swing Patrol 之前,曾是財金界的白領。他也不諱言,自己家境優渥、從小受到良好教育,直到某次至美國旅遊,在迪士尼樂園的遊行初次見識到 Swing Dance,便深深受到吸引,從此一頭栽進 Swing Dance 的世界。

Scott 曾表示,他最大的熱忱在於推廣 Swing Dance,讓更多人認識 Swing Dance、進而加入這個歡樂的社群。那麼,他離鄉背井,來到倫敦之後,是如何在短短十年內就打造出超越所有其他社群規模的 Swing Patrol 大家庭呢?

BBC創投節目募資 另創立 Swing 健身品牌

讓我們把時間再往前推一點,回到 2014 年。自 2009 年 2 月份初次授課起,Scott 和夥伴們已經在倫敦當地累積出逾千人的社群,也在倫敦各地固定授課、舉辦 Social 活動。Scott Cupit 和團隊受邀至 BBC 創投節目 《Dragon’s Den》,最終他們獲得其中一位投資人 Deborah Meaden 提供的 £65,000 資金,並承諾 Deborah 成為 Swing Patrol 的股東之一。過程我就不贅述了,請參考下列影片:

隨後, Swing Patrol 便知名度大增,獲得資金挹注也使得他們得以進一步規劃快速且有效推廣 Swing Dance 的計畫,同時繼續經營每週的課程和活動。得到贊助之後, Swing Patrol 是用什麼方式加速擴展事業呢?你沒看錯,就是打造一個以 Swing 舞蹈為主題元素的健身品牌—— SwingTrain

SwingTrain 基本上是參考如 Zumba 等有氧舞蹈課程,在45-60 分鐘的 routine 中加入 Swing 和 Solo Jazz 的舞步,帶領學員一起活動肢體,達成快樂減脂、塑身的目標。Scott 表示,希望這個品牌能夠培養出專業的教練,建立牌照機制讓更多舞者和健身愛好者有機會成為全職或兼職的 SwingTrain 教練。

由於筆者尚未親身體驗過 SwingTrain 課程,無法驗證受訪者提供的資訊是否為真,而SwingTrain 的客群究竟能否成功轉換為搖擺舞課程的學員,這點確實是有待檢驗的。畢竟,我自己也很難想像那些去上有氧拳擊減脂課的中年婦女,會因此成為拳擊運動的愛好者。個人認為,SwingTrain 這個品牌的成立,現階段更多的成分是為公司創造更多營收,同時鞏固老師和資深學員的社群,讓他們在正規搖擺舞課程之外,可以參與更多 Swing Patrol 的相關事務、建立更高的認同感和忠誠度。

天天有舞跳,人人有功練

Swing Patrol 在倫敦十年,雖然同時還是有其他社群繼續活躍著,不可否認地,主打初學者以及常態 Social 活動的 Swing Patrol ,是其中曝光度和市佔率確實最高的。若到 Swing Out London 這個搖擺舞活動資訊網頁,放眼看去有超過八成都是 Swing Patrol 主辦的。那麼,Swing Patrol 自己又是怎麼定位他們的課程和活動的呢?

僅提供初階 Drop-in 課程 兼以舞團培養師資

Swing Patrol 的授課方式跟台灣非常不一樣,他們只有 Drop-in Class。

除了偶爾舉辦的週末主題 Workshop,Swing Patrol 並沒有像台灣和韓國一樣完整的課程架構,更沒有以月為單位的「Course」。這對我來說相當震撼——那這樣大家要怎樣確定自己的程度在哪裡、預期的學習成效又是什麼呢?難道說是因為倫敦人比較不想認真學跳舞嗎?(當然不是。)

Swing Patrol 只有 Drop-in 課,很大一部分確實是配合倫敦人的生活:Swing Patrol 的學員之中,不少人是來自外地。他們或可能只是短暫停留,也可能是 base 在倫敦、經常出差。對這些人而言,要一個月內每週同一時間出席課程,幾乎是不可能的。另一方面,Swing Patrol 並沒有自己的教室,所有的授課及活動場地都是租借來的,有時可能會臨時變動。從好的方面來看,Swing Patrol 是考量到學員出席率以及場地變動的可能,才選擇以 Drop-in 的方式開課。

由於不須要承諾學員長期的學習成果,甚至不用事先告知授課主題,Drop-in 形式讓老師可以更自由地授課,也使 Swing Patrol 得以快速在各地設點。這也引出了一個問題:那麼多地方要開課,哪來的老師?

某種程度上,以我個人的觀點來看,Drop-in 課程可說是毫無效率,缺乏統一的師資訓練和鬆散的課程架構,事實上也是當地舞者提到 Swing Patrol 時,最常遭受抨擊的弱點。然而 Swing Patrol 旗下的三個表演舞團(Performance Troupe):Brat PackThe DinahsThe Down & Outs,還有以提升技術為主要目標的 Skyliners 以及 Club Stomp  兩個 Development Troupe,都成功吸引不少中高級以上的舞者加入。我自己是在加入 Brat Pack 之後才發現,原來該團很多人都有在教常態課。甚至只要是經由甄選成為該團成員,就等同於擁有授課資格,每個月都會收到來自總部行政發放的代課通知信息,似乎只要有心,人人可以當老師。

所以說,批評 Swing Patrol 的老師都沒有經過篩選是有些偏頗的,但個別師資的教學經驗確實有很大的差異。而在這樣的架構之下,新老師很容易出頭,並且可以搭配資深老師累積經歷,而薪資給付費率也是浮動的,端看參與課程的學員人數而定。因此,老師們雖然能充分主導課程,卻也得為自己的招生率負責。個人認為,這對於想將舞蹈老師作為副業者而言是非常不錯的體系,但對於品牌的整體印象是否加分?我必須說自己很難對 Swing Patrol 的課程品管及師資水準給予極正面的評價。

密集的 Social 活動 打造 Beginner-Friendly 的生態

由於英國本身就有酒吧社交文化,很多人喜歡下班或週末上 pub 跟朋友喝一杯。Swing Patrol 每週或隔週就在倫敦各地舉辦 Social,場地以酒吧為主,入場費相對便宜(約 3 小時的 social ,收費介於 6-10 鎊,以倫敦的物價而言是很便宜的),搭配半小時至一小時的 Open Class,輕鬆愉快的氛圍,讓人們更樂於嘗試 Swing Dance。Swing Patrol 甚至有標榜「Beginner-Friendly」的 social dance,對該類型場次的 DJ 歌單也有特別要求,希望是不要超過 3 分半、節奏清楚(類型和快慢視當日授課主題而定,可能是 Lindy 也可能是 Charleston),以減輕初學者的壓力。

Swing Patrol 主打初學者的策略卻時相當成功:今天到倫敦跳舞,無論到哪個 Social 場子,都可以發現之中有 1/3 左右、甚至更多比例的初學者。這當然也跟倫敦人喝了酒就很能「放開自己」的特性有關,好比說我個人週末經常去跳舞的場子,就有很多根本不會跳 Swing 的醉鬼混進舞池裡扭擺(笑)不過這樣子頻繁、初學者廣布的 Social,也使得倫敦近期興起了所謂「Private/Invitaional Social」的風氣。如字面所示,這類的 Social 並不會公開宣傳,而是希望程度相仿(中高級以上)的舞者出席,所以幾乎是採邀請制的——就算你覺得自己程度夠好,沒有門路的話,根本不知道辦在哪裡、該怎麼去。這似乎是倫敦 Swing 圈獨有的現象:畢竟以往可能一個月才有一次百人以上的舞會,現在反而太多 Social 可以跳,又不能保證每次都能跳得盡興,不如找幾個熟識的好友一起辦個小規模的 Social,每次邀請一些新朋友加入。

結語

礙於篇幅的關係,關於 Swing Patrol 的簡介就此暫時作結。個人認為,Swing Patrol 在推廣搖擺舞方面真的是不遺餘力,作為一個創業成功的案例也十分值得深入研究。一方面,Swing Patrol 以健身運動作為宣傳、行銷搖擺舞的方式,我個人是不太能夠理解的;另一方面,我也知道 Swing Patrol 看似鬆散的教學和師資培養制度,其實也出了不少相當優秀的舞者與傑出的老師,他們都是我在倫敦跳舞學習的對象。本文僅作為筆者本人試圖描繪整個倫敦 Swing Dance Scene 的起頭,希望接下來有更多時間和篇幅與大家分享倫敦的各個社群和重要推廣者的故事。

再次感謝您的收看,我們下次見(揮手)


Reference

“’You Can’t Match the PR That Comes with Dragon’s Den’ – Scott Cupit, Swing Patrol.” Distressed Denim: Levi’s Stuck in the Past, http://www.managementtoday.co.uk/you-cant-match-pr-comes-dragons-den-scott-cupit-swing-patrol/article/1315519.

“Dragons’ Den Success Stories: Swing Patrol.” Startups.co.uk: Starting a Business Advice and Business Ideas, 1 July 2016, startups.co.uk/dragons-den-success-stories-swing-patrol/.

“‘You’ve Got to Graft to Open Doors’: Swing Patrol’s Scott Cupit on Success.” Growth Business, 16 Jan. 2017, http://www.growthbusiness.co.uk/youve-got-graft-open-doors-swing-patrol-scott-cupit-success-2549350/.

Let’s Talk About Swing|The Black Bottom

搜一下 Wikipedia 就可以發現,其實 Swing Dance 的資訊非常齊全,唯獨對應的中文資料非常少,就算有也是相當零散,缺乏系統化的整理。

這個系列的寫作初衷,是透過將現有資訊中文化並加以編輯,書寫成輕鬆易讀的系列文章,讓有興趣了解 Swing Dance 的朋友們能夠更有效率地認識這個獨特的舞蹈與文化。


 

繼上一篇談 The 20s Charleston,今天想藉由「Black Bottom」談談我們現在所說的 Authentic Jazz 的舞步從何而來,淺談主流文化及後世如何傳播、再詮釋源自黑人族群的舞蹈。

在正式進入主題之前,先來回顧一下我個人接觸、探索 Black Bottom 本源的艱辛歷程(苦笑)

老虎?老鼠?傻傻分不清楚

第一次聽聞 Black Bottom 這個名稱,是剛開始跳 Swing 不久,在 YouTube 上看到 Ksenia 的教學影片 “Secrets of Charleston 20’s" – “Black Bottom: Cow Tail" class,影片如下所示,展示的是 Cow’s Tail 這個爵士舞步:

 

好奇之下,我又用關鍵字搜尋了 Black Bottom, 在下列的 Jazz Step 影片中,是這樣子做的:

 

我的天。

很顯然地,這兩者是完全不一樣的動作。比較完的當下,除了差點開始懷疑人生之外,心中也產生了巨大的疑問:

最初的 Black Bottom 到底是什麼樣子的?為什麼流傳至今會變成這樣?誰的 Black Bottom 才是真正的 Black Bottom?

從「困在泥地裡的牛」到魔性的流行舞蹈

發源自 19 世紀末的紐奧良, Black Bottom 舞步的靈感來源,據傳是某(群)黑人在看到牛被困在泥地裏頭的樣子,覺得甚是有趣,就開始模仿牛兒陷在泥巴裏的樣子,創作出這個有些滑稽的舞步。後來,這個舞步跟 Charleston 和 Texas Tommy 一樣,藉由歌舞秀等途徑,登上了舞台、引發流行,並在 1920 年代中期取代 Charleston ,成為當時媒體口中最新潮的舞步。下列影片簡單說明了 Black Bottom 的由來,可以看到影片中黑人小朋友抖動雙腿的模樣,和牛隻後腳踩在泥地上試圖維持平衡的動作有些相似:

 

 

確切關於 Black Bottom 最初是如何被帶到舞台上,目前流傳的主要有兩派說法。其一指稱最早是由藍調歌手 Alberta Hunter 開始表演 Black Bottom 舞步,讓這個來自農村地區的舞步初次在紐約曝光。其二則是我認為真正造成「流行」的途徑:這個舞步跟 Charleston 一樣,搭配了當時的流行歌曲和歌舞秀演出,加上廣播及新聞(報紙)傳散,才得以迅速在美國竄紅。

舉個例子作類比,這就像筆者高中時期,韓國偶像團體 Super Junior 推出的 〈 Sorry, Sorry 〉(2009),洗腦的旋律加上魔性的舞步,搭配電視、廣播、商場店家大肆播送,在台灣引爆流行,連我家長輩都知道怎麼跳「搓手舞」。更近期一點的例子,又如 Psy 大叔的 〈Gang Nam Style〉  騎馬舞在世界各地引起注目—— 反過來說,「簡單好學的舞步&流行舞曲」的組合並不是什麼新鮮事,早在 1920 年代就已經蔚為風潮。

 

舞曲大帝國:20世紀初的美國流行舞曲

同樣地, Black Bottom 舞步也有其同名歌曲,而且不只一首[1]。 不過,之中和 Black Bottom 舞步關係最密切的,或許還是 Perry Bradford 於 1919 年創作的 〈The Original Black Bottom Dance〉。筆者認為,Bradford 根本是一位被作曲耽誤的舞者。Bradford 創作歌曲的靈感來源,是來自他在美國南方各地巡演時看到各式各樣的舞步,便隨手將它們學起來,當作日後創作歌曲的靈感。然而 Bradford 最厲害之處並不是以舞步節奏為出發點進行舞曲創作,而是他自己本人就會跳舞,還可以直接把詳細的舞步教學寫進歌詞裡。 〈The Original Black Bottom〉 這首歌的舞步指導如下:

Hop down front and then you Doodle back

Mooch to your left and then you Mooch to the right

Hands on your hips and do the Mess Around

Break a Leg until you’re near the ground

Now that’s the Old Black Bottom Dance

這支由 Bradford 編寫的 The Black Bottom Routine 後來被編進 1924 年的歌舞秀 Dinah 之中,隨後被有名的製作人 George White 買下版權,White 重新聘用了 DeSylva、Brown、Henderson 三位白人作曲家,為 Black Bottom 舞步編寫新曲,爾後於 1926 年的 Scandals of 1926 之中,由白人舞者 Ann Pennington 演出,才正式取代 Charleston 成為最紅的流行舞蹈。

根據 Jazz Dance (Stearns: 1994) 一書的說法,1910 年代至 1920 年代,美國的流行音樂產業生態和過去已經不同,1910 年代起,作曲家和製作人們致力於將歌曲「舞曲化」,當時就連原本只有簡單編制的抒情歌,也會被改成樂團編制的慢板舞曲。1910 年代,各式各樣的黑人舞蹈被白人社會「發掘」並融入白人的社交舞中,像是 Turkey Trot、Grizzly Bear、Bunny Hug 等等 [2]。 然而, 1920 年代之後,像 Bradford 的〈The Original Black Bottom〉這類搭配舞蹈教學的歌曲慢慢式微。一部分是因為懂得黑人舞步的音樂家和作曲者們,因當時的種族問題無法繼續投入創作,另一部分則是因為人們開始習慣上舞蹈課,自然也就不再依賴這類詳細指導的舞曲了。

 

那麼,現在所說的 Black Bottom 到底是什麼?

回到本文開頭的疑問,既然這樣,流傳至今的 Black Bottom 是什麼樣子?為什麼不同版本之間存在這麼大的差異?

在我看來,Ksenia 那支教學影片之所以會將 Cow’s Tail 舞步歸納成 Black Bottom 舞步,是因為 Black Bottom 舞曲和舞步流行的 1920 年代,恰好也是 Rag Time 音樂和 Charleston 舞蹈流行的時代,而 Black Bottom 搭配的音樂確實也和 Charleston 音樂頗為相似,不難想像當時在舞廳中,這兩種舞步交替出現、融合,才造成後世的混淆。以 Ksenia 這支影片的標題為例,確實若根據 Black Bottom 的靈感來源(困在泥地裡的牛),說它是 Black Bottom 風格並不離譜,然而若以舞步的重點—— Twist 來看,Cow’s Tail 是比較接近 20s’ Charleston 的。

至於另外一支影片介紹的 Black Bottom 就比較容易理解了:由於這些黑人舞蹈被納入白人流行文化和社交舞步的過程中,被改編、剪裁成更適合舞廳的版本,也因此 Black Bottom 在 1920 年代之後主要留存下來的部分,只剩下雙手輕拍臀部以及前後跳躍的動作 (Stearns:1994)。更別1950 年代之後,美國流行影視作品的製作團隊及白人舞者對這些舞步的再詮釋,是 1980 年代搖擺舞復興時期的參考影像,甚至現今在 Savoy Cup 等活動也有重現「Vintage Routine」的項目。

 

 

 

 

以閱聽人的角度來看,資訊傳播方式的確實形塑了我們對這個舞蹈的認知,想要透過好萊塢電影和紀錄片挖掘古早以前的原版舞步更是難上加難。就像 Juan 在 2018 年 3 月份於台北 workshop 所說的,這些被稱作 Authentic Jazz 的舞步,絕大多數是當時秀場或流行歌曲搭配的舞步,都是經過編舞和標準化的。因此,憑一方之說或是古早的影片去爭論誰跳得才是「真正的/純正的」Authentic Jazz 在我看來沒什麼意思,反而參考這些有限的資訊和影像去創造出屬於自己的風格,是我認為更有趣也更有意義的事。很幸運地,現今還是有不少舞者積極地試圖重現、傳承更接近原始風格的舞步,我們都有機會可以向他們學習。若想要參考當今對 Black Bottom 的詮釋,可以看看知名舞者 Trisha Sewell 的教學。文末就以 Trisha 和學生的演出影片作結,感謝各位的收看,我們下次見!

 

 

Notes

  1. 像是知名鋼琴手及作曲家 Jelly Roll Morton 就曾寫過〈Black Bottom Stomp〉這首歌。只不過,「Black Bottom」同時也是底特律一個以黑人社群為主要居民的地區名稱,Jelly Roll Morton 寫的這首歌據悉是以該地區為靈感而作。
  2. Jazz Dance (Stearns) 書中原文:“After 1910 the publishers of popular music became more and more insistent that a song must be danceable in order to achieve real success. In time this became an absolute rule of the industry, and even if a ballad happened to be printed in the free vocal style, it was immediately supplied with a dance orchestration in strict time.”

Reference

“Black Bottom (Dance).” Wikipedia, Wikimedia Foundation, 12 Jan. 2019, en.wikipedia.org/wiki/Black_Bottom_(dance).

Nelson, Walter. “The Black Bottom.” Manners for the Victorian Gentleman | Mass Historia, walternelson.com/dr/black-bottom.

Stearns, Marshall W., and Jean Stearns. Jazz Dance: the Story of American Vernacular Dance. Da Capo Press, 1994.

“The Black Bottom, African Roots in American Dance.” African American Registry, aaregistry.org/story/the-black-bottom-african-roots-in-american-dance/.

Watson, Sonny. “Black Bottom .” Sonny Watson’s Streetswing.com, http://www.streetswing.com/histmain/z3blkbtm.htm.

Keepin’ It Real|什麼是標準的 Swing Out?

本系列發祥自作者在倫敦就讀碩士期間,透過訪談、田野調查等方法試圖了解當地 Swing Dance 發展現況的過程中,針對當今 Swing Dance 文化的 Authenticity (本真性)所產生之疑問與想法,希望藉機發表相關文章與各位讀者討論及分享。


最近因為加入倫敦當地的舞團 Brat Pack,有幸接受 Moe SakanMichael Jagger 兩位國際名師親炙,獲益良多。故想藉由近期兩位老師針對團員進行的訓練,探討現今檢視 Swing Out 的「標準」從何而來,也跟各位分享學習的心得,也提供一些練舞的小撇步給大家參考。

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Swing Out Clinic:你的 Swing Out 從哪來?

雖然以 performance troupe 為定位,Brat Pack 平時團練幾乎都在準備表演的舞碼,兩位老師卻對團員們的基本功要求甚高,自從這個月開始,固定在每次團練的前半小時進行 Lindy Hop 的靈魂舞步—— Swing Out 進行「診斷」。

第一次練習的時候,Michael 就指出,雖然團員大多數人都已經習舞 4~5 年,對於 Swing Out 這個「基本」動作,卻有不一樣的學習經歷,因此跳出來的 Swing Out 可能有很大的不同。

「我們接下來要告訴你們的,是我們認為『標準的』Swing Out。這不代表你們學的 Swing Out 是錯的,反而是給你們機會好好思考,自己現在是怎麼跳的,誰教你這樣做的?」

我大致回想了一下,過去在台灣學習 Swing Out 的經驗,一開始並不是在課堂上,而是剛學舞一個月左右,就在一些前輩引導下嘗試了 Swing Out。然而,當時連 connection 都不穩的我,壓跟不知道 Swing Out 的「感覺」是什麼。甚至我第一次在課堂上跳 Swing Out,是在學舞第三個月、剛學完 Lindy Circle 的情況下,就去上了韓國舞者 JeongWoo & Crystal 的 Swing Out Variation 課程。由於模仿 JeongWoo & Crystal 的風格,我一開始學習 Swing Out 的時候,非常努力地想要加入很多的 Stretch 和 Counter Balance,也因此習慣做不是 Forward 的 Swing Out,日後也透過練習各種 Variation,學習去跟隨不同 Leading 做出變化。

但一直到來倫敦以前,從來沒有人告訴過我,什麼是「標準的」 Swing Out。

THE way to do it.

Michael 和 Moe 說,在他們剛開始學舞的 1990 年代,曾經有所謂「跳 Swing Out 的『一種』辦法 (THE way to do the Swing Out)」。也是在那個時候,美國和歐洲社群有所謂的「Style 大戰」,大家似乎都非常在意、也很積極地想要區分每個人各自跳的是什麼 style。以最常被拿來比較的 Savoy style 和 LA style 為例,兩者在 Swing Out 詮釋上以及 Leading&Following 邏輯上最大的差異,就是在第 4 拍的時候有沒有 Counter Balance。

當時之所以會有這樣的論戰,有其時空背景—— 1980 年代開始的 Lindy Revival,是由主要來自瑞典、英國、加州、紐約等地區的舞者,從影視公司釋出的好萊塢老電影片段「重新發現」了 Lindy Hop,決定要將這消失已久的舞蹈重新帶回這個世界上。然而,因為各自在不同時間點、向不同的 Old Timer 學習,各個社群便產生了不同的 Style。因此,嚴格來說,現在我們向不同派別的國際老師學到的「Savoy Style」以及「LA Style」,只能說是綜合不同早期舞者個人風格所產生的「復刻版」。Michael 也在私下和團員聊天的時候補充道,像是現在大家說的 LA Style 或 Hollywood Style 這個名詞,也是由 Sylvia Sykes 等第二代舞者 [1] 創造的。

回到本站第一篇文章強調的重點,「Lindy Hop 是一種街舞」,Swing Dance 本來就不像國標舞那樣,有一套系統性的標準去鑑定舞者的動作是否合格,每個人都有自由用自己的舞步和自己的風格去詮釋音樂和節奏。

既然有各種跳 Swing Out 的辦法,那不是學越多越好嗎?為什麼要緊抓著一種標準不放呢?

Which style? 區辨不同風格的重要性

舉例來說,前幾篇文章有稍微提到,我去年底有在 LSE Swing Dance Society 向 Angela Andrew 學習。Angela 算是 80 年代 Lindy Revival 時期的初代舞者,當初是向 Norma Miller 學舞的,所以和英國 Lindy Hop 的教父級舞者 Ryan Francois [2] 有著類似的看法,認為他們有義務傳授以 Frankie Manning 和 Al Minns 等為代表的「正宗」Lindy Hop。而 Michael Jagger 身為 Ryan Francois 的學生,學習到的 Swing Out 裡頭並沒有像 LA Style 那樣強調 counter balance,而是依靠 connection 和節奏去做變化。

Michael 私下也分享說,他之前嘗試過跟 Chanzie & Stephen 等 LA 舞者討教,「但我現在還是不會跳 LA 版本的 Swing Out。因為跟我會東西的太不一樣了。」所以他也可以想像,在剛開始學習 Lindy Hop 的時候,如果短時間內連續遇到不同背景的老師,很可能會因為吸收太多不同派別的資訊而精神錯亂。特別是現在的 Event 很流行請一大票老師去教舞,學生也很好學,一口氣就上好幾堂課。但在基礎不夠穩定、搞不清楚不同風格派別的情況下,學生可能在前一堂課被老師要求這麼做,下一堂課卻被要求反其道而行,結果就是學到崩潰、什麼都跳不好。

「要有效進步的話,必須鎖定一種風格專精才行。」先精通其中一種,在接觸到不同風格的舞步時,才有「底子」去融會貫通,否則只是囫圇吞棗。這也是為什麼我非常認同,老師應該要跟學生提起影響他們最多的舞者,並幫助學生區別不同風格。一方面是為了保存、傳承這個舞蹈文化的重要遺產,一方面也是讓學生有意識地去建立自己的底子和學習基礎,之後才不會聽到任何建議就想採納,最後啥都學不像,反而感到相當挫敗和無助。 Michael 也建議,基本的舞步都學會之後,最好是能找到自己喜歡的一、兩位老師,就跟著他們一路學上去。特別是喜歡參加 event和 workshop 的學生,在選課的時候也要注意老師的背景和風格,才不會學得一蹋糊塗。

筆者認為,這種區辨能力對於出身亞洲的舞者來說更加重要:因為我們的社群相對年輕,所以有時候會聽到來自歐美國際老師評論說,希望我們這些亞洲國家(包括韓國)要建立「自己的風格」,不要只是模仿別人。以前我都有聽沒有懂,以為「自己的風格」應該是很個人的東西,怎麼會是一個社群可以共同擁有的特色呢?但這一切如果從教學的角度來看,就完全說得通了:

我們在不斷邀請國際老師來開辦 Workshop 授課、採納國外經驗的同時,有沒有在持續審視、調整自己社群的教學系統,讓學生不是只會記動作,而是真正學會跳舞這件事情,並且在習得基礎之後,有能力自己去建立自己的風格?抑或我們在課程設計和師資選擇等細節上,有沒有做到讓學生能清楚吸收每堂課的重點,並且不會因不同老師的風格差異造成混淆?這些細節都很重要,卻相當不容易做到,並且是非常需要配合不同地方風土民情(?)去精心設計的。

當然,去決定什麼是學習重點、什麼不是,並不僅是老師們和社群領導者的責任,舞者們有意識地去選擇自己喜歡的風格學習,也是非常重要的推力。

 

“Rhythm is our business.” 聽聽自己的 Triple Step

講了這麼多跟 style 有關的分析,也舉了老師們的意見為例,不是想要凸顯哪一個派別才是正宗,而是想提供一個分析不同 style 的脈絡給各位參考。回過頭來,也藉機再次提醒自己 Lindy Hop 舞蹈的基礎—— Rhythm 的重要性。

無論我們跳的是哪一種 style,好的節奏感是不可或缺的。Moe 也說,很多人不知道 triple step 的重要性,其實比想像中的還要大。

「不要覺得自己跳很久了就理所當然可以把 triple step 跳好⋯⋯我知道有些老師(但我不會說是誰)在比賽評分的時候會看 triple step,甚至連上課分級的 audition,我也遇過有老師很直接地評論學生:『這人連 triple step 都跳不好,沒資格上 Advanced 的課。』」

在第一次的 Swing Out Clinic,Michael 和 Moe 聲明,對他們而言,基本 Swing Out 是「Forward Swing Out」,也就是 5&6 的時候讓 Follower 往前走。大致修正「形狀」之後,兩位老師多數的時間都不斷地盯著大家的腳步,要求大家踩出乾淨的節奏。甚至最近還相當仔細地進行一對一診斷,一次只聽一個人不斷左右踩 triple step(之間沒有 rock step),相當嚴格。他們說, Lindy Hopper 要把自己當成樂器,跳舞的時候應該要像 Tap Dancer 一樣,有辦法在音樂中精準地踩出 Swing 的節奏 [2]。而 triple step 就是 Lindy Hop 裡頭最基本的 swing 節奏單位,所以透過連續踩 triple step 的練習,可以有效提升節奏感和身體的穩定性,而且不需要舞伴,相當方便。

最後將 Michael 和 Moe 提出的練習要訣整理成幾個重點跟各位分享:

  • Bounce while staying grounded:這意味著我們必須利用地板的反作用力來讓自己的身體維持輕盈的彈跳感。很多人會以為「Grounded」就是要將重心往下沉、甚至死命用力踏地板,但那麼做的話,絕對踩不出乾淨清脆的節奏。Michael 以英文字母「M」和「W」形容兩種狀態:假設將中心至於一條水平線上,「M」所代表的是踏步的同時把重心完全拖向地板,「W」則是以前腳掌輕盈地將自己的身體彈起來。
  • Look at yourself in the mirror:要確定自己的 bounce 是否太大或太小,可以透過檢視鏡子中身體的狀態。想像自己的能量重心在核心和骨盆,在放鬆的狀態連續做 triple step,若自己的上半身完全僵直不動,那就是能量被鎖住了,會限制四肢的動作;反之,若 triple step 的時候連頭都跟著震盪,就是沒有將能量凝聚在身體中心,很容易一不小心就沒在拍子上。
  • Listen to your steps:我自己以往練習 Triple Step 的時候都會搭配音樂,但 Michael 和 Moe 建議,信任自己的耳朵,在無聲的狀態下,去「聽」自己的腳步是否平均。
  • Use the Metronome:向打擊樂手會用節拍器練習節奏精準度,節拍器也是舞者的好朋友。除了在無聲狀態下聽自己腳步聲是否均勻乾淨,節奏的穩定則可以透過搭配節拍器練習達成。Michael 建議每天練五分鐘就可以了。

練習基本 triple step 的目的,是為了最終可以找到最穩定的狀態去做出想要的節奏和肢體變化。如此一來,就算要嘗試比較 smooth 或是比較浮誇一點的風格和 variation,還是能有很好的節奏感和音樂性。

以上就是今天的分享!感謝收看,我們下次見(手比愛心)

Notes

  1. Sylvia Sykes 是向「Swing Era」時期的加州代表舞者 Dean Collins 學習 Swing Dance
  2. Ryan Francois 曾在 TedTalk 上介紹不同風格的 Swing Out,請詳影片
  3. 關於 Swing 的節奏可以參考 Kiss & Tell 的這篇文章和進階的節奏練習教學。

Let’s Talk About Swing|Texas Tommy

搜一下 Wikipedia 就可以發現,其實 Swing Dance 的資訊非常齊全,唯獨對應的中文資料非常少,就算有也是相當零散,缺乏系統化的整理。

這個系列的寫作初衷,是透過將現有資訊中文化並加以編輯,書寫成輕鬆易讀的系列文章,讓有興趣了解 Swing Dance 的朋友們能夠更有效率地認識這個獨特的舞蹈與文化。


 

本來計畫延續前一篇談論 Charleston 舞步的起源,繼續介紹 1920 年代流行的舞步 Black Bottom,但由於這週讀到了一篇由佛羅里達州立大學博士 Rebecca Strickland 發表的論文〈The Texas Tommy, Its History, Controversies, and Influence on American Vernacular Dance. 〉,私以為很有意思,希望盡快跟各位分享,就很任性地決定先介紹 Texas Tommy 了(笑)

 

 

連 Frankie Manning 都不明白的 Texas Tommy

各位認真的 Lindy Hopper ,一般來說在學完 Swingout 之後,就會接觸到名為 Texas Tommy 的舞步。現在我們談論 Lindy Hop 之中的 Texas Tommy,通常指的是「8 拍 Swingout 加上背後換手(swingout with hand change behind the back.)」的動作。然而,根據舊金山舞者 Nathan Dias 在 Swing or Nothing! 網站上發表的文章顯示,就連 Savoy 傳奇舞者 Frankie Manning 都不清楚 Texas Tommy 為什麼會被拿來代指 Lindy Hop 的舞步:

According to Catrine, Frankie always insisted that he “never knew [any] Tommy from Texas” and that dancers of his era named steps exactly what they were. Accordingly, the movement that many modern Lindy Hoppers call the Texas Tommy should actually be called “swingout with hand change behind the back.”

另一方面,根據這篇 2006 年發表的論文,「Texas Tommy」被 Hollywood Style 的代表舞者 Dean Collins 用來指稱 8 拍 behind-the-back breakaway:

In an interview by the author with Sylvia Sykes in 2006, she stated that Dean Collins (one of the prominent Lindy Hoppers during the 1930s and 1940s and a leader of the craze on the west coast), said the eight-count behind-the-back breakaway was called the “Texas Tommy,” while the six-count behind-the-back breakaway was the “Apache.” She also clarified that the current dancers did not know these distinctions and used the names interchangeably. (Strickland:2006)

大概讀到這裡,可以發現,既然「Texas Tommy」並非 1930 年代 Savoy 舞者之間所通用的術語,它被當作 Lindy Hop 舞步代稱,很可能是從 Dean Collins 活躍的美國西岸加州地區開始的。也就是說,Texas Tommy 這個名稱,原本指的並不是 swingout with hand change behind the back

 

 

既不「德州」,也不「湯米」的 Texas Tommy

早在 19 世紀末,舊金山(不是德州喔!)的社群便開始發展一種名為 Texas Tommy 的社交舞。20 世紀初 ,舊金山 Barbary Coast 的 Lew Purcell’s 舞廳裡,人人都在跳 Texas Tommy。據傳,到了1910 年,來自舊金山的舞者Ethel Williams 和 Johnny Peters 來到紐約哈林區,才將 Texas Tommy 傳入紐約地區。爾後,當時紐約市的劇場和舞台秀裡頭,開始有舞者搭配流行的 Ragtime 曲目表演 Texas Tommy 的舞步。好比說, 1911 年的歌曲〈Texas Tommy Swing〉,就加入了 Texas Tommy 的排舞。

記得 2018 年初,阿根廷出身的國際舞者 Juan Villafañe 曾在台北的 workshop 與學員分享 authentic jazz step 的由來。筆者很喜歡他將這些流傳至今的爵士舞步比作當年的「K-pop MV 舞」——在 20 世紀初的爵士年代,很多作曲家會為作品加註,寫上每個段落的舞步。包括在紐約哈林區俱樂部演出的樂隊和舞者,都會為不同歌曲搭配專屬的排舞。很多舞步的取材都來自黑人社群的傳統和社交舞蹈,而這些原本屬於黑人的舞蹈,都是經歌曲的排舞才得以曝光,才受到大家的喜愛、造成人們爭相模仿而引發流行。這部分接下來談 Black Bottom 也會提到,在此就先不贅述。簡言之,Texas Tommy 的舞步之所以能夠被推廣出去,與當時的流行歌曲脫不了關係。

除了在秀場演出, Texas Tommy 舞步也傳入了 Savoy 舞廳,由當時的舞者揉合其他風格,創造了 Lindy Hop 的早期風格。Texas Tommy 和 Lindy Hop 兩者之間最顯而易見的共同特色,或許該屬「Breakaway」。Texas Tommy 據稱是首先出現 Breakaway 形式的現代社交舞,而Breakaway 突破了以往侷限於 close position 和 side by side 的姿勢,更在  George “Shorty” Snowden 等舞者的融合創造下,逐漸形成後來 Lindy Hop 的舞步。下方的影片是 Shorty George 展示 Breakaway 及 Charleston ,之中從 open position 到轉圈再分開的動態,是否跟 Lindy Hop 的 Swingout 很相似呢?

所以我說那個 Tommy 到底是哪位?

有一派研究者則嘗試挖掘「Tommy」這個「人」的故事。有人宣稱 20 世紀初有一位名叫 “Tom from Palestine” 的舞者,絕技是可以頂著一杯水在頭上一邊跳著炫麗的舞步,也有人說 Tommy 指的是 19 世紀末在德州有一位稱號叫做 “Ragtime Texas Henry” Thomas 的藍調樂手。不過,「Tommy」在當時的俚語裏頭,經常被當作「妓女」的代稱。到底 Tommy 和這個舞蹈有和關係?只能說,關於上個世紀以前民間的文化活動,有太多細節和故事都已失傳,才會導致今日回溯過去的時候如此迷惑。

不過,可以很確定的是,下次如果有人問說 Texas Tommy 「是哪位」的時候,千萬不要再說是來自德州的湯米先生/女士啦!

現在,Texas Tommy 在世界各地 Lindy Hoppers 的發想之下,已經出現了很多 variation,卻都保有一個最重要的元素:讓 Follower 轉圈並同時在其背後換手。最後就用 Sharon Davis 在倫敦的 Texas Tommy Variation 課程 Recap 作結。感謝各位的收看,我們下回見!

 


Reference

Strickland, R. R. The Texas Tommy, Its History, Controversies, And Influence On American Vernacular Dance. no date. Florida State University, 2006.

“Texas Tommy (Dance).” Wikipedia, Wikimedia Foundation, 4 Feb. 2018, en.wikipedia.org/wiki/Texas_Tommy_(dance).

“Texas Tommy.” Library of Dance – Cross-Step Waltz, http://www.libraryofdance.org/dances/texas-tommy/.

“Texas Tommy Was Actually from San Francisco!” Swing or Nothing!, 30 Sept. 2011, http://www.swingornothing.com/texas-tommy/.